El más allá (1981)

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Título original

E tu vivrai nel terrore - L'aldilà

Año

1981

Duración

87 min.

País

Italia Italia

Director

Lucio Fulci

Guión

Lucio Fulci, Dardano Sacchetti, Giorgio Mariuzzo

Música

Fabio Frizzi

Fotografía

Sergio Salvati

Reparto

Catriona MacColl, David Warbeck, Cinzia Monreale, Antoine Saint-John, Veronica Lazar, Anthony Flees, Giovanni De Nava, Al Cliver, Michele Mirabella, Gianpaolo Saccarola

Productora

Fulvia Film

Género

Terror | Gore. Sobrenatural. Casas encantadas. Zombis. Película de culto

El más allá (...E tu vivrai nel terrore! L'aldilà) es una película italiana de 1981 dirigida por Lucio Fulci. Es la segunda película de la trilogía no oficial de las puertas del infierno, junto a City of the Living Dead y The House by the Cemetery. El más allá se ha convertido en una película de culto, principalmente por sus escenas violentas que han sido censuradas en varios países.

ARGUMENTO

En 1927, el Hotel Seven Doors (Siete Puertas) es el lugar de un asesinato, donde un grupo de hombres crucifican a un artista llamado Schweick, acusado de ser un brujo. La muerte del artista abre una de las siete puertas del infierno, las cuales están esparcidas por el mundo y permiten que los muertos puedan traspasar al mundo de los vivos. Varias décadas después una mujer de Nueva York hereda el hotel y planea reabrirlo con fines monetarios. Pero los trabajos de remodelación activan el portal y pronto se ve enfrentada junto a un doctor del pueblo, a los muertos vivientes, el fantasma de una joven ciega que les pide que abandonen el hotel, el místico Libro de Eibon que contiene las respuestas a los extraños acontecimientos, un niña cuyos sus asesinados padres se convirtieron en zombies y es poseída por unos espíritus, y Schweick que ha regresado como un maligno e indestructible cadáver que es controlado por las fuerzas sobrenaturales.

Todas las esperanzas están perdidas, el héroe y heroína llegan subterráneamente del hospital hasta el sótano del hotel. Entran a un paisaje que Schweick estaba pintando al principio de la película, árido, neblinoso y lleno de cadáveres momificados. Los dos se vuelven ciegos y se internan en el paisaje.

Reparto

Catriona MacColl ... Liza Merril

David Warbeck ... Dr. John McCabe

Cinzia Monreale ... Emily

Antoine Saint-John ... Schweick

Veronica Lazar ... Martha

Larry Ray ... Larry

Giovanni De Nava ... Joe

Al Cliver ... Dr. Harris

Michele Mirabella ... Martin Avery

Gianpaolo Saccarola ... Arthur

Maria Pia Marsala ... Jill

Laura De Marchi ... Mary-Ann

Recepción

La cinta recibió respuestas variadas por parte de la critica cinematográfica. En el sitio web Rotten Tomatoes posee un 63% de comentarios «frescos», basado en un total de 16 críticas. Marc Savlov del periódico The Austin Chronicle escribió: "Como la mayoría de las epopeyas gore de Fulci, El más allá está llena de imágenes y escenas garantizadas para hacerte decir 'Ugh', pero esa es la desagradable belleza del trabajo del director". Steve Biodrowski de la revista Cinefantastique también se refirió de forma positiva a la película, pero aclarando que no carece de defectos: "No quiero ensalzar las virtudes de esta película en voz demasiado alta, porque no es perfecta, en cierto modo, de hecho, se sostiene mejor en el recuerdo que en la vista, permitiendo que la mente asocie libremente sus elementos inconexos". Por su parte, Roger Ebert del periódico Chicago Sun-Times criticó la trama y diálogos de la cinta, otorgándole media estrella de un total de cuatro.

En 2005, la revista británica Total Film la ubicó en el puesto número 49 de las mejores películas de terror de la historia. Cinco años más tarde, la revista Wired la incluyó entre las 25 mejores películas de terror de todos los tiempos.

TRAÍLER

EL MÁS ALLÁ - LINK PARA VER ONLINE

Drácula de Bram Stoker (1992)

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Título original

Bram Stoker's Dracula

Año

1992

Duración

130 min.

País

Estados Unidos Estados Unidos

Director

Francis Ford Coppola

Guión

James V. Hart (Novela: Bram Stocker)

Música

Wojciech Kilar

Fotografía

Michael Ballhaus

Reparto

Gary Oldman, Winona Ryder, Anthony Hopkins, Keanu Reeves, Richard E. Grant, Cary Elwes, Sadie Frost, Tom Waits, Bill Campbell, Monica Bellucci, Jay Robinson

Productora

Columbia Pictures / American Zoetrope / Osiris Films

Género

Terror. Romance. Fantástico | Siglo XIX. Vampiros. Película de culto

Drácula, de Bram Stoker1 (Bram Stoker's Dracula, 1992) es una película dirigida por Francis Ford Coppola y protagonizada por Gary Oldman y Winona Ryder . Basada en la novela homónima de Bram Stoker, el guion fue escrito por James V. Hart y producida por Columbia Pictures. La banda sonora corrió a cargo de Wojciech Kilar, excepto el tema final Canción de amor para un vampiro, que fue compuesto por Annie Lennox. Tuvo un presupuesto de 50 millones de dólares, una cantidad extraordinaria para una película de terror (género que en aquellos momentos no estaba de moda y que se solía rodar con presupuestos muy modestos). La película tuvo una buena acogida por el público y obtuvo 4 nominaciones a los Oscar de 1992, de los que ganó tres: Mejor diseño de vestuario, Mejor Maquillaje y Mejor edición de sonido. Consiguió 215.862.692 dólares en todo el mundo y fue el retorno al éxito de Francis Ford Coppola.

Sinopsis

En el siglo XIX, Jonathan Harker (Keanu Reeves), recientemente recibido como abogado, debe viajar hasta Transilvania para que el conde Drácula (Gary Oldman) firme unos papeles referentes a unas propiedades que acaba de adquirir en Londres. El problema es que el conde no es quien dice ser: en realidad es un vampiro que perdió a su amor cuatrocientos años atrás. Y curiosamente la novia de Harker, Mina (Winona Ryder), es un vivo retrato de ella. Por ello, Drácula decide viajar hasta la capital británica para conquistarla. Mina, confusa, tiene un romance con Drácula y tiene que decidir entre el bien o el mal, por amor.

PERSONAJES

Conde Drácula Gary Oldman A lo largo de la película el personaje muestra su faceta como guerrero despiadado, como un anciano conde y como un caballero romántico. Muchos dicen que la interpretación de Oldman es capaz de asustar y enamorar al mismo tiempo. Se dice que el actor estudió los diálogos de tal manera que, si olvidaba una frase, quería volver a repetir toda la escena para poder plasmar todo el diálogo. Leyó la novela y ensayaba con un tono pavoroso para el Drácula anciano, dándole un toque más terrorífico al personaje. Gary Oldman pasó horas y horas maquillándose: sus maquilladores estuvieron cinco horas para conseguir el físico del conde.

Mina Harker Winona Ryder Mientras que en la novela, Mina es una mujer responsable y fiel, en la película el personaje va más allá y tiene un affair con el conde Drácula mientras su marido está en Transilvania. La actriz tuvo que dejarse melena y adelgazar cuatro kilos para interpretar tanto a Mina como a Elizabetha, la mujer de Drácula que se suicidó cuatrocientos años antes.

Winona Ryder.

Jonathan Harker Keanu Reeves Papel rechazado inicialmente por Johnny Depp,[cita requerida] se consideró para el personaje a Brad Pitt,[cita requerida] pero la amistad de Reeves con el director ayudó a que fuera escogido para el papel. Fue esta película la que le lanzó a la fama y muchos dicen que la caracterización del actor es muy parecida al de la novela.

Keanu Reeves.

Abraham van Helsing Anthony Hopkins Para el papel del viejo doctor especializado en vampiros y otras criaturas extrañas se pensó en Liam Neeson, pero cuando éste se enteró de que su admirado Anthony Hopkins estaba interesado, decidió cedérselo. Hopkins también interpreta al sacerdote que castigó a la mujer de Drácula tras el suicidio y al narrador en algunos momentos. Esta interpretación va más allá de lo que propone la novela: un personaje más loco que cuerdo, con una inteligencia brillante. Como curiosidad, cabe destacar que el actor estudió alemán para conseguir el acento de su personaje.

Anthony Hopkins.

Casting

Gary Oldman como Conde Drácula / Vlad III el Empalador

Winona Ryder como Mina Harker (nacida Murray) / Elisabeta

Anthony Hopkins como Profesor Abraham Van Helsing / Sacerdote / Narrador principal

Keanu Reeves como Jonathan Harker

Richard E. Grant como Dr. Jack Seward

Cary Elwes como Sir Arthur Holmwood

Billy Campbell como Quincey P. Morris

Sadie Frost como Lucy Westenra

Tom Waits como R. M. Renfield

Monica Bellucci como concubina de Drácula

Michaela Bercu como concubina de Drácula

Florina Kendrick como concubina de Drácula

Jay Robinson como Mr. Hawkins

Producción

Guion

Bram Stoker, autor de la novela.

Se rumoreaba mucho acerca de que Coppola, además de dirigir la película, también sería el encargado de adaptar la novela a un guion cinematográfico. Pero finalmente, los productores le cedieron la tarea a James V. Hart, ya que llevaba bastante tiempo trabajando con una adaptación de la novela original.

Ha habido mucha controversia acerca de la lealtad del guión de Hart a la novela de Bram Stoker, y actualmente esta película es considerada la mejor adaptación a la obra de Stoker, ya que si bien aparecen en ella todos los personajes, sus personalidades son tergiversadas. Drácula en el castillo aparece con un aspecto andrógino y un peinado estrafalario, y cuando llega a Londres y rejuvenece se convierte en un petimetre. Las dos jóvenes, Lucy Westenra y Mina Murray, también son deformadas: de lo que en la novela son bellas, decentes, nobles, delicadas y refinadas, en la película son lo contrario: Lucy Westenra es grotesca, vulgar y nada agraciada, y Mina Harker le es infiel a su esposo Jonathan Harker, pues se enamora de Drácula y tiene un romance con él; este idilio no sólo es una ofensa a la dignidad de Mina sino que además no existe en absoluto en la novela, pues Mina es decente y fiel.

Dirección

Francis Ford Coppola, director de la película.

El filme está dirigido por Francis Ford Coppola. Los productores habían pensado en otros directores de géneros de terror comoWilliam Friedkin o John Carpenter, pero finalmente optaron por Coppola. Muchos de los productores dudaban acerca de si Coppola cumpliría las expectativas, ya que últimamente este director sufría múltiples problemas financieros debido a desastres cinematográficos; dirigió películas de gran coste, pero escasa recaudación, como El Padrino III o Apocalypse Now.

Coppola esta vez se fijó más en bienes creativos que económicos y puso todo su empeño en hacer innovaciones que nunca se habían hecho, y finalmente no sólo cumplió los requisitos de la película, sino que hizo que fuese una de las películas más taquilleras del año.

Hay que sumar también que fue una de las películas que salvarían al director de su crisis tanto económica como profesional, haciendo que Coppola recuperase su prestigio perdido en el mundo del cine.

Música

Wojciech Kilar, compositor de la banda sonora.

La banda sonora original estaba compuesta por el compositor polaco Wojciech Kilar, que conocería a Coppola en uno de sus conciertos enFrancia, y al que ofrecería un debut en los Estados Unidos componiendo la música de la película.

Su banda sonora estuvo a punto de ser seleccionada para una nominación a los Oscars, pero por determinaciones desconocidas de los productores, no querían que la música de Kilar fuera seleccionada.

El tema principal de la película "Love Song for a Vampire" (Canción de amor para un vampiro) fue escrita por Annie Lennox, que juntándola con el trabajo de Kilar, saldría al mercado un disco con la banda sonora y los temas interpretados por Lennox. Este disco cosechó un gran éxito por losEstados Unidos, y también por parte de Europa, especialmente en Polonia, con la razón de que era el debut de un compositor polaco en el cine estadounidense.

Escenas eliminadas

Debido a constantes críticas hacia la película por sus escenas violentas y en muchos casos desalentadoras, la producción no tuvo más remedio que cortar muchas de las escenas de la película hasta finalizarla con 120 minutos de duración, pero supuestamente, con las escenas recortadas, el filme debería haber durado 145 minutos. Muchos fanáticos de la novela se quejaron al respecto, ya que una desintegración de la película equivaldría a menor expresión creativa del libro. Poco después del estreno de la película, circularon estas escenas cortadas de la película por la web. Finalmente, cuando salió a la venta la versión de la película en DVD, se incluirían tales escenas suprimidas, y mostrando así al público, una versión más extendida, en la que se incluían escenas bastante sarcásticas, incluso desnudos de Winona Ryder

Recepción

La película a pesar de todo tendría una buena aceptación por parte de los críticos. La calificaron como la mejor adaptación cinematográfica de la novela que se había hecho nunca, ya que actualmente hay numerables adaptaciones de la obra de Stoker. La reacción de los críticos, en general, fue positiva, pero se cuestionó mucho la fidelidad al argumento de la novela.Además, Keanu Reeves recibió bastantes críticas del público por su interpretación de Jonathan Harker. Sin embargo, el film fue un notable éxito de taquilla, recaudando 82,522,790 $ en su país de origen y 133,339,902 $ en el resto del mundo, con una recaudación total de 215,862,692 $,26 convirtiéndose en la adaptación de la novela más exitosa comercialmente hasta la fecha. La representación de Drácula por parte de Gary Oldman fue alabada por muchos críticos y ganó el Premio Saturn al Mejor Actor.

Premios y nominaciones

La película ganó tres premios de la academia: Mejor diseño de vestuario (Eiko Ishioka), Mejor edición de sonido (Tom C. McCarthy y David E. Stone) y Mejor Maquillaje (Greg Cannom, Michèle Burke, Matthew W. Mungle). Estuvo nominada también a Mejor dirección de arte (Thomas E. Sanders, Garrett Lewis).

Año          Categoría                          Persona          Resultado

1992 Mejor diseño de vestuario Eiko Ishioka Ganador

1992 Mejor edición de sonido Tom C. McCarthy y David E. Stone Ganadores

1992 Mejor Maquillaje Greg Cannom, Michèle Burke, Matthew W. Mungle Ganadores

1992 Mejor dirección de arte (Thomas E. Sanders, Garrett Lewis). Nominados

Comercialización

La comercialización de la película incluía un juego de mesa, un pinball y videojuegos para la Super Nintendo, NES, Game Boy, Sega Genesis, Game Gear, Commodore Amiga y Sega CD.

Además, publicaron un cómic de la película y 100 cartas coleccionables lanzadas por la compañía Topps.

También se produjeron varias figuras de acción basadas en la película.

TRAÍLER 

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DRÁCULA DE BRAM STOKER (1992)

AQUÍ TENEMOS UNA DE LAS GRANDES ADAPTACIONES AL CINE DE UNO DE LOS MITOS CON MÁS POPULARIDAD EN LA ESCENA DEL TERROR, YA PRESENTE EN LAS LEYENDAS Y EL FOLKLORE POPULAR DE LOS PAÍSES DEL ESTE SIGLOS ATRÁS, EL AUTOR DE ESTA FIGURA DE DRÁCULA FUE BRAM STOKER AFAMADO ESCRITOR QUE PLASMO EN ESTA OBRA LITERARIA LO QUE EL DEFINÍA COMO STRIGOI Y QUE LO ESTUVO ATORMENTANDO HASTA EL FINAL DE SUS DÍAS. Y AQUÍ EN ESTE POST TENEMOS LA ADAPTACIÓN DE LA OBRA DE LA MANO DE FRANCIS FORD COPPOLA QUE FUE TODO UN ÉXITO. Y POR SUPUESTO ES DE OBLIGATORIA VISUALIZACIÓN PARA TODO AQUEL QUE VENERE EL CINER DE HORROR Y TERROR.

Al final de la escalera (1980)

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Título original

The Changeling

Año

1980

Duración

109 min.

País

Canadá Canadá

Director

Peter Medak

Guión

William Gray, Diana Maddox

Música

Rick Wilkins

Fotografía

John Coquillon

Reparto

George C. Scott, Trish Van Devere, Melvyn Douglas, John Colicos, Jean Marsh, Barry Morse, Madeleine Thornton-Sherwood, Helen Burns, Ruth Springford

Productora

Universal Pictures

Género

Terror. Thriller | Sobrenatural. Casas encantadas. Fantasmas. Película de culto

The Changeling (titulada Al final de la escalera en España y El impostor en Argentina) es una película canadiense dirigida por Peter Medak.

Argumento

John Russell (George C. Scott), un destacado compositor y profesor de música, pierde a su mujer y su hija en un trágico accidente. Para recuperarse, abandona su residencia y acepta un puesto académico en Seattle en una fundación que posee, entre otras, la propiedad sobre una vieja mansión que ha permanecido desocupada durante largos años, con la condición de utilizarla como espacio de práctica profesional para los alumnos, además de vivienda.

En la casa, la presencia de John parece despertar la manifestación paulatina de una presencia sutil, que empieza a desvelarse con diminutos incidentes. Así, esas manifestaciones empiezan a presentarse bajo la forma de extraños acontecimientos que parecen indicarle que algo para él intangible, quiere revelarle un secreto. A base de investigar obsesivamente sobre el pasado, Russell descubre el rastro de algo terrorífico, un hecho de sangre que ha permanecido oculto hasta ese momento, durante casi siete décadas.

El asesinato del pequeño Joseph Carmichael, heredero único y directo de la enorme fortuna de su abuelo materno, crimen cometido por su padre, nunca fue descubierto, hasta que John Russell, en medio de su duelo interior, se hace cargo de desvelar el misterio, incluyendo una sesión de espiritismo en el que se desvela toda la verdad (excelente rigurosidad en los pasos de psicografía, grabación de psicofonías e instrumental de canalización), que llegará incluso hasta un senador de los Estados Unidos.

Suspenso, misterio, terror y un excelente reparto hacen de esta película uno de los clásicos del cine de terror. Mención aparte merece considerar, salvo en los minutos finales, la ausencia de efectos especiales, la graduación delicada del tema de lo paranormal, que hace sucumbir al espectador en la trama, así como las vistas urbanas de una ciudad como Seattle en escala humana, a finales de los 70.

Elenco

George C. Scott como John Russell, compositor

Melvyn Douglas como el senador Joseph Carmichael

Trish Van Devere como Claire Norman

Eric Christmas como Albert Harmon

John Colicos como De Witt

Jean Marsh como Joanna Russell

Roberta Maxwell como Eva Lingstrom

Barry Morse como el doctor Pemberton

Terence Kelly como el sargento Durban

Producción

Al final de la escalera fue producida por una productora canadiense y filmada en Canadá, con algunas escenas grabadas en Seattle y en Nueva York. Se pueden observar notables ubicaciones de Seattle durante la película. Las escenas interiores en la universidad fueron filmadas en la universidad de Toronto, las escenas del edificio donde se encuentra la sociedad para la conservación histórica pertenecen al Hotel Europe en Vancouver. Las escenas de la casa del senador fueron filmadas en la Royal Roads University. La mansión en la que vive John Russell era una maqueta gigante.

Premios y reconocimientos

Al final de la escalera ganó el primer premio Genie por la mejor película canadiense. También ganó los siguientes premios:

Mejor actor extranjero-George C. Scott

Mejor actriz extranjera-Trish Van Devere

Mejor guion adaptado-William Gray y Diana Maddox

Mejor diseño de arte-Trevor Williams

Mejor fotografía-John Coquillon

Mejor sonido-Joe Grimaldi, Austin Grimaldi, Dino Pigat y Karl Scherer

Mejor edición de sonido-Patrick Drummond, Dennis Drummond y Robert Grieve

La película ocupa el puesto 54 de 100 de la lista de películas más terroríficas de todos los tiempos realizada por el canal de televisión Bravo. El director Martin Scorsese posicionó a The Changeling en el puesto número 11 en la lista de películas más terroríficas de todos los tiempos.

Banda sonora

La banda sonora de Al final de la escalera fue realizada por Percepto Records, salió a la venta en CD el 21 de diciembre de 2001 y fue limitada a 1000 copias. El 13 de abril de 2007 salió a la venta una edición Deluxe de la banda sonora de la película, que también fue limitada a 1000 copias. Lista de canciones de la banda sonora:

Edición regular

Main Title 2:31

The First Look 1:46

First Chill 1:31

Music Box Theme for Piano

Country Ride 1:04

Bathtub Reflections 3:03

Secret Door 3:31

The Attic 2:45

Music Box Theme 1:45

The Ball 3:15

The Seance 7:31

The Killing 3:42

Carmichael Reflects / On the Floor 2:18

Face On the Bedroom Floor 1:59

Chain Reaction 3:46

The Doors 1:10

Mirror, Mirror On The Wall 1:11

The Attic Calls Clair 3:52

Resolution 5:53

End Title 3:10

The Seance - Alternate Version (bonus) 7:09

Carmichael's Demise (bonus) 3:43

Piano Solos (bonus) 1:37

Alternate End Title (bonus) 2:31

Edición Deluxe

Disco 1

Main Titles 2:33

Piano Source :57

Arrival At The House 1:48

Piano Source 1:11

Piano Source :13

First Chill 1:33

The Door Opens By Itself :21

Music Box Theme For Piano 2:06

Country Ride 1:06

Bathtub Reflections 3:05

Finding the Secret Door 3:33

Up Into The Attic 2:47

Music Box Theme 1:47

The Wheelchair :25

Microfilm Research / Cemetery 1:30

Ball Over The Bridge / It's Back! 3:17

The Seance / Talk To Us! 7:14

Murder Flashback 3:43

Wheelchair / Carmichael Tower 1:00

Carmichael Reflects :34

The House On The Lake 1:56

Breaking Into The House :54

Face On The Bedroom Floor 2:01

The Chain Appears In The Dirt 3:47

All The Doors Shut 1:12

Mirror Mirror (Vision Of Death) 1:13

Russell Goes To See Carmichael 2:02

The Attic Calls Clair 3:53

The Big Finale / Resolution 5:55

Music Box / End Credits 3:13

Disco 2

The Seance - Alternate Version 7:11

Carmichael's Demise (Unused Cue) 3:45

Alternate End Title 2:31

Unknown Cue 1:51

Unused String Quartet (V1) :48

Unused String Quartet (V2) 1:17

Solo Celeste :47

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AL FINAL DE LA ESCALERA (1980)

Una de las películas catalogadas en el top 100 de los films más terroríficos de todos los tiempos. A disfrutarla horrorianos.

Alien el 8 Pasajero (1979)

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Título original

Alien

Año

1979

Duración

116 min.

País

Estados Unidos Estados Unidos

Director

Ridley Scott

Guión

Dan O'Bannon

Música

Jerry Goldsmith

Fotografía

Dereck Vanlint & Denys Ayling

Reparto

Sigourney Weaver, John Hurt, Yaphet Kotto, Tom Skerritt, Veronica Cartwright, Harry Dean Stanton, Ian Holm

Productora

20th Century Fox / Brandywine Productions

Género

Ciencia ficción. Terror | Extraterrestres. Aventura espacial. Película de culto

Alien: el octavo pasajero, o simplemente Alien en su versión original, es una película estadounidense de ciencia ficción y terror dirigida por Ridley Scott y estrenada en 1979. Su reparto estuvo integrado por los actores Sigourney Weaver, Tom Skerritt, Veronica Cartwright, Harry Dean Stanton, John Hurt, Ian Holm y Yaphet Kotto. El título de la película hace referencia a una criatura alienígena que acecha a la tripulación de una nave espacial.

Al comienzo del proyecto de la película 20th Century Fox no tenía muchas expectativas respecto al éxito comercial, ya que era solo otra «cinta de suspenso de bajo presupuesto», lo cual quedaba confirmado por lo exiguo de los fondos asignados por los estudios para el rodaje; su título provisional era Memory —«Recuerdo»—, el que se cambió por Star Beast —«Bestia estelar». Sin embargo, Scott persuadió al equipo de producción para que aumentara el presupuesto, al asegurar que la trama tendría un tono más serio. El guionista Dan O'Bannon eligió el nombre definitivo, al optar por uno más simple y pegadizo que los anteriores. Durante el proceso de producción, Walter Hill y David Giler pivotearon la temática principal de la película generando un desacuerdo con Ronald Shushett y O'Bannon, aunque este último fue quien ideó el argumento central, inspirándose en varias cintas de ficción y terror populares de la época, entre las que figuran Star Wars y Tiburón. Algo similar sucedió con la dirección, aunque Scott aceptó el trabajo sin pensarlo. Dado que parte de la película transcurre en la Nostromo y en exteriores espaciales, se tuvieron que utilizar dos estudios de rodaje distintos, algo poco común para esa época.H. R. Giger fue el encargado de diseñar el aspecto «biomecánico» del monstruo, así como la apariencia industrial de la nave, además de decorar personalmente algunos de los sets principales. Por su parte, la banda sonora corrió a cargo de Jerry Goldsmith. Como anécdota, cabe señalar que durante las pruebas experimentales, el público estaba «tenso, preocupado e incómodo» en ciertas escenas, entre las que se destaca la del «quebrantapechos», ya que incluso el elenco se exaltó y perturbó al momento de realizar la toma, hecho que favoreció a popularizar la cinta.

Tras su estreno, obtuvo críticas positivas en su mayoría —las cuales se refieren especialmente a los efectos visuales y musicales—, además de gozar de un considerable éxito comercial. Recibió un Óscar en la categoría de «Mejores efectos visuales» y tres premios Saturn —uno a la «Mejor película de ciencia ficción», otro a la «Mejor dirección» para Scott y uno más para la «Mejor actriz de reparto» para Cartwright—, entre otras nominaciones. La Biblioteca del Congreso de Estados Unidos la incluyó en el Registro Nacional de Cine en 2002 para su preservación histórica, al considerar «su importancia cultural, histórica o estéticamente, significativa». Por su parte el American Film Institute la eligió como la séptima mejor película en el género de la ciencia ficción y la revista británica Empire la consideró como la trigésimo tercera mejor película de todos los tiempos, ambos en 2008.

El éxito de Alien generó una franquicia de novelas, cómics, videojuegos y juguetes, así como tres secuelas —Aliens, Alien 3 y Alien Resurrection—, dos crossovers —Alien vs. Predator y Aliens vs. Predator: Requiem— y dos cintas relacionadas con la trama original, Prometheus y Alien: Covenant. La película también lanzó la carrera de Weaver hacia el estrellato.23 Diversos videojuegos contienen referencias que aluden a la película, como es el caso de la franquicia Metroid y el título de Chrono Trigger pues evidencian algunos de sus aspectos a manera de homenaje,al igual que otras series de televisión, historietas, libros, disfraces y demás productos relacionados a otras marcas. Además, varios estudiosos han encontrado ciertos aspectos filosóficos y psicológicos dentro de la trama que presenta la cinta, uno de los cuales radica en el trato humano respecto a otros seres con capacidades cognitivas similares, como los androides y los alienígenas, o su contenido sexual, según O'Bannon, la alusión provocativa en diversas escenas fue «hecha a propósito [...] porque quisimos irritar al público».

Argumento

La nave espacial de transporte comercial U.S.C.S.S. Nostromo regresa a la Tierra proveniente del planeta ficticio Thedus, con un remolque de veinte millones de toneladas de mena.Los siete miembros de la tripulación están en un estado de sueño criogénico. Al recibir una transmisión de origen desconocido, procedente al parecer de la luna de un planeta cercano, el ordenador central de la nave, «Madre», despierta a la tripulación. En un principio creen que están en las proximidades de la Tierra, hasta que descubren que se hallan en una región fuera del Sistema Solar. El capitán Dallas les comenta que la computadora cambió el rumbo de la nave para acudir a una señal anormal que la nave recibe cada doce segundos, y que Madre identifica como una alerta de auxilio. Dallas asume la responsabilidad de investigarla y, con la ayuda del oficial científico Ash, persuade al resto del equipo para que colabore. Gracias a cálculos de trayectoria realizados por la nave, descubren que están en el sistema extrasolar Zeta II Reticuli, en los límites de astronavegación, y se dirigen hacia un destino desconocido. Finalmente, la Nostromo llega a la luna de un planeta gigantesco gaseoso anillado e inexplorado. En ella, la tripulación desengancha a Nostromo del remolque y la nave desciende hacia donde se originó la transmisión; en su aterrizaje, la nave sufre algunos daños. El capitán Dallas, el oficial ejecutivo Kane y la navegante Lambert salen a la superficie del planetoide a investigar el origen de la señal, mientras que la suboficial Ellen Ripley, Ash, y los ingenieros Brett y Parker se quedan en la nave para monitorearlos y hacer reparaciones.

Fotografía de un modelo del xenomorfo.

Dallas, Kane y Lambert descubren que la señal viene de lo que parece ser una nave espacial alienígena varada desde hace tiempo. Dentro encuentran los restos fosilizados de un extraterreste gigante sentado en la silla del piloto, con un boquete en su abdomen perforado de adentro hacia afuera. Mientras tanto, Ripley ordena a Madre que realice una minuciosa decodificación binaria del código extraterrestre para su interpretación; durante la actividad, se percata de que el mensaje es uno de advertencia y no una solicitud de socorro como les hizo creer la computadora. Dentro de la nave abandonada, Kane descubre una enorme cámara llena de numerosos huevos, uno de los cuales libera una criatura que se adhiere a su casco, derritiendo su visor y dejándolo inconsciente. Dallas y Lambert lo llevan a la Nostromo, donde Ash les permite entrar, a pesar del protocolo de cuarentena activado por Ripley. Una vez en el interior de la nave, Dallas y Ash intentan arrancar la alimaña del rostro de Kane, pero descubren que la sangre de la alimaña es un ácido extremadamente corrosivo. Finalmente, la criatura se desprende por sí sola y cae muerta. Con la nave reparada, la tripulación despega, acopla el remolque y retoma el viaje hacia la Tierra.

Kane despierta aparentemente ileso, pero durante una comida antes de entrar nuevamente en hipersueño, Kane comienza a asfixiarse convulsivamente hasta que una larva emerge violentamente de su pecho, matándolo en el acto, y escapando para ocultarse en la nave. La tripulación decide intentar localizar y capturar al monstruo con sensores de movimiento, armas de electrochoque y lanzallamas y descartar el uso de armas convencionales ya que la sangre de la criatura podría disolver parte del casco de la Nostromo. Mientras Brett busca a «Jones», el gato de la tripulación, llega a una sala en la que encuentra al engendro ya desarrollado, que lo asesina antes de desaparecer por los conductos del sistema de ventilación de la nave. Dallas lo sigue con la intención de forzar a la cosa a entrar en una esclusa donde pueda ser expulsada hacia el espacio, pero el ser le tiende una emboscada y lo mata. Lambert les pide a los demás que escapen en una lanzadera, pero Ripley, siguiente al mando, se niega alegando que la lanzadera no podría dar soporte vital a cuatro personas. Tras acceder a «Madre», Ripley descubre que Ash recibió secretamente órdenes de llevar la nave hasta su corporación propietaria con el alienígena dentro, a expensas de lo que le pudiese ocurrir a los demás pasajeros. Ash le ataca bruscamente, pero Lambert y Parker intervienen, siendo este último quien golpea a Ash con un extintor decapitándolo, revelando a la tripulación que en realidad Ash es un androide. Antes de ser incinerado, Ash les indica a los tripulantes que no sobrevivirán. Más tarde, los sobrevivientes idean un plan para activar el sistema de autodestrucción de la Nostromo y escapar en la lanzadera.

Mientras Ripley, inicia la secuencia de autodestrucción; Lambert y Parker son emboscados y asesinados por la criatura mientras recolectan pertrechos para el escape. A continuación, Ripley se dirige a la lanzadera con Jones, pero el Alien le bloquea el camino, pero alcanza a escapar de él. La suboficial intenta, sin éxito, abortar la autodestrucción, y vuelve a la compuerta de la lanzadera. Para su alivio, el ser ya no se halla ahí y Ripley logra escapar en la cápsula antes de que la Nostromo explote. Mientras se prepara para entrar en hipersueño, Ripley descubre que el monstruo se encuentra con ella en la lanzadera. Tras ponerse un traje espacial, ella despresuriza la lanzadera al abrir la escotilla, logrando finalmente expulsar el organismo fuera de la nave con ayuda de un gancho que lanza contra la criatura. Sin embargo el cable del gancho termina atascándose en la puerta y el xenomorfo se mantiene sujeto al cable tratando de introducirse en la nave por uno de los motores. Finalmente Ripley activa los motores y el impulsor envía al monstruo al espacio, deshaciéndose de él. En las escenas finales se ve a Ripley entrando en hipersueño junto con el gato antes de su retorno a la Tierra.

Reparto

Personajes principales

Actor/Papel	Descripción46	Imagen
Bolaji Badejo como elalienígena, elantagonistaprincipal.Un integrante del equipo de producción descubrió a Badejo en un bar, un nigeriano que en ese entonces estudiaba diseño. Después de entrevistarlo, lo puso en contacto con Scott, para quien Badejo resultó ideal para representar a la criatura ya que sus brazos y piernas eran muy largos, lo que a su parecer haría creer a la audiencia que el alienígena no podía tratarse de un ser humano disfrazado.Los especialistas de cine Eddie Powell yRoy Scammell también interpretaron a la criatura en algunas escenas.
Sigourney Weaver como Ellen Ripley, suboficial.	La decisión de dar el personaje principal a una mujer provino de Giler y Hill, que sentían que eso podría ayudar a Alien a destacar en un género como el de la ciencia ficción, dominado por personajes masculinos.Weaver, que tenía experiencia en Broadway pero que era relativamente desconocida en el cine, impresionó a Scott, Giler y Hill con su audición. Se convirtió en la última actriz en ser incorporada al reparto, y realizó sus pruebas de cámara en los estudios, mientras construían los sets. El rol de Ripley fue el primer papel protagónico de Weaver, y le hizo ganar nominaciones al Saturn a la «Mejor Actriz» y un BAFTA como la «Principiante más prometedora en un rol protagonista en el cine».
Veronica Cartwright como Joan Lambert, oficial de navegación.	Cartwright tenía experiencia en películas de terror y ciencia ficción habiendo actuado en Los pájaros (1963) e Invasion of the Body Snatchers(1978). Originalmente tenía el papel de Ripley, y no fue informada del cambio de rol hasta que llegó a Londres por cuestiones de vestuario. A Cartwrihgt le disgustó que su personaje fuera emocionalmente débil, pero aceptó el papel: «Me convencieron de que yo representaba los miedos de la audiencia; yo era un reflejo de cómo se sentía el público». Cartwright ganó un Saturn a la «Mejor actriz de reparto» por su papel.
Ian Holmcomo Ash, oficial científico.	Holm, un actor veterano que ya había participado en veinte películas, fue el miembro del reparto que contaba con mayor experiencia cinematográfica.
John Hurtcomo Gilbert Kane, oficial al mando.	Hurt resultó ser la primera elección de Scott para el personaje, pero no se encontraba disponible por cuestiones de agenda puesto que trabajaba en esa época en Sudáfrica, así que Jon Finch accedió a interpretar el personaje en su lugar. Sin embargo, Finch se enfermó el primer día de rodaje y le diagnosticaron diabetes severa y bronquitis. Debido a esto, Hurt llegó a Londres para sustituirlo. Su actuación le valió una nominación para el premio BAFTA al «Mejor actor de reparto».
Yaphet Kottocomo Dennis Parker, ingeniero en jefe.	Kotto, un afroamericano, fue elegido para dar diversidad étnica y una sensación de internacionalidad a la tripulación de la Nostromo. Se le envió una copia del guion poco después de haber participado en la película Vive y deja morir (1973). No obstante, tuvo que pasar un tiempo para que, junto con su agente, negociara la participación en el filme.
Tom Skerritt como Arthur Dallas, capitán y oficial en jefe.	A Skerritt lo contrataron en fases tempranas del rodaje, pero rechazó el rol debido al bajo presupuesto y a la ausencia de un director al frente de la producción. Más tarde, cuando Scott asumió la dirección y el presupuesto se duplicó, Skerritt aceptó el papel de Dallas.
Harry Dean Stanton como Samuel Brett, ingeniero técnico.	Las primeras palabras de Stanton a Scott fueron «no me gustan las escenas de ciencia ficción o las películas de monstruos». A Scott le divirtió aquello y convenció a Stanton de actuar en el rol de Brett, después de asegurarle que Alien era realmente un thriller más bien parecido a la películaDiez negritos (1974).

Producción

Redacción del guionMientras estudiaban cinematografía en la Universidad del Sur de California, Dan O'Bannon, John Carpenter y Ron Cobb realizaron un filme de ciencia ficción y comedia tituladoDark Star (1974). Para representar a uno de los personajes que era un alienígena utilizaron una pelota de playa pintada con aerosol. Cobb no quedó muy convencido con la apariencia del extraterrestre y manifestó su interés en representar uno «que se viera real». Años más tarde empezó a escribir una historia similar a la de aquella película pero más centrada en el género del terror: «quería hacer una película aterradora ambientada en una nave espacial, con unos cuantos astronautas [...] Una Dark Star de terror en vez de una comedia», comentó Cobb. Simultáneamente Ronald Shusset trabajaba en el guion de Total Recall (1990) y, después de ver Dark Star y quedar impresionado con la trama, contactó a O'Bannon para proponerle trabajar juntos en sus respectivos guiones. Este último accedió y entre ambos acordaron desarrollar primero la trama de los extraterrestres, considerando que iba ser la menos costosa de producir. Para entonces O'Bannon ya tenía desarrollado un borrador de veintinueve páginas titulado Memoryen el que, tras despertar de un sueño inducido, un grupo de astronautas se percata de que su viaje espacial se ha visto interrumpido por una señal que recibieron proveniente de un planetoide desconocido, al cual acuden para investigar al respecto. Esta escena fue incluida en la introducción de Alien: el octavo pasajero. No obstante, el guionista todavía no tenía una idea clara de la apariencia que iba a tener su extraterrestre.

A la izquierda, fotografía de Dan O'Bannon. A la derecha, póster de Forbidden Planet.

Poco después viajó a París como invitado del cineasta Alejandro Jodorowsky para participar en la adaptación de la novela Dune, lo que le llevó a permanecer en Francia por seis meses. Aunque el proyecto fue cancelado, O'Bannon tuvo la oportunidad de conocer a otros escritores y artistas de ciencia ficción como Chris Foss, H. R. Giger, y Jean «Moebius» Giraud, cuyas ideas y conceptos tendrían repercusión en la historia que estaba desarrollando. Las carátulas de los libros de ciencia ficción de Foss lo dejaron impresionado, mientras que el trabajo de Giger le pareció «perturbador».En sus palabras: «sus ilustraciones tuvieron un profundo impacto en mí. Nunca había visto nada tan horrible y al mismo tiempo tan hermoso como sus trabajos. Acabé escribiendo un guion sobre el monstruo de Giger».De regreso en Los Ángeles y tras mudarse con Shusett, retomó Memory. Este último le sugirió que agregara una escena parecida a una que ya O'Bannon había usado en uno de sus filmes anteriores, en la que unos gremlins se infiltran en unbombardero B-17 durante la Segunda Guerra Mundial. Para explicar la infiltración del extraterrestre en la nave, Shusett propuso que uno de los astrounautas tuviera implantado un embrión alienígena en su estómago, el cual saldría abruptamente al exterior al terminar su gestación.Eventualmente el guion cambió de título a Star Beast pero a O'Bannon no le gustó y prefirió renombrarlo como «Alien», pues se percató que era un término que aparecía mucho en el libreto. Shusett estuvo de acuerdo con el cambio al considerar que era sencillo e implicaba una connotación gramatical al poder aplicarse como sustantivo y adjetivo.

O'Bannon se inspiró en varias obras de ciencia ficción y de terror; en una ocasión comentó: «yo no le robé Alien a nadie. ¡Se lo robé a todos!». Por ejemplo, el concepto de un entorno claustrófobico en el que la bestia va persiguiendo a la tripulación provino de The Thing from Another World (1951); la advertencia que recibe la nave respecto a no aterrizar en el planetoide misterioso, y el hecho de que la criatura vaya matando uno a uno a los tripulantes es similar a la idea de Forbidden Planet (1956);9 la escena en la que descubren el esqueleto gigante de un extraterrestre proviene de Terror en el espacio (1965); y el hallazgo que hace la tripulación de la cámara repleta de huevos de xenomorfo corresponde al relato corto «Junkyard» (1953), de la autoría de Clifford D. Simak. Otras influencias importantes incluyeron la novela Strange Relations de Philip José Farmer(1960) —que aborda la reproducción extraterrestre— y varias historietas de terror de la editorial EC Comics que tienen tramas en común en la que seres monstruosos comen humanos que encuentran a su paso.

Cuando tenían un 85 % del guion terminado, O'Bannon y Shusett decidieron enviárselo a varios estudios para su aprobación, promoviéndolo como una versión de «Tiburón en el espacio». Cuando estaban por llegar a un acuerdo con la productora de Roger Corman, un amigo suyo les sugirió buscar una mejor opción tras enviarle el libreto a Walter Hill, David Giler y Gordon Carroll, propietarios de los estudios Brandywine que a su vez tenían una estrecha relación con 20th Century Fox. Tan pronto firmaron un acuerdo, Hill y Giler expresaron su insatisfacción con el guion así que empezaron a hacerle varias modificaciones. Esto provocó tensión con los guionistas originales, especialmente por el hecho de que Hill y Giler carecían de experiencia en el género de la ciencia ficción y de acuerdo con Shusett ellos «no fueron buenos al mejorarlo, o al menos en no empeorarlo más». Estos últimos fueron los responsables de agregar al personaje de Ash el androide, que para O'Bannon y Shusett resultaba innecesario, aunque luego Shusett cambió de opinión y lo describió como «una de las mejores cosas de la película... Todo ese hilo argumental y el escenario surgió de ellos». Hill y Giler llevaron a cabo hasta ocho revisiones del guion; no solo se centraron en desarrollar el papel de Ash, sino que también se esforzaron en hacer más naturales los diálogos y le proporcionaron un mayor énfasis a ciertas escenas del planetoide.

Al principio la postura de Fox respecto al financiamiento de Alien era de recelo ya que consideraban arriesgado invertir en una película de ciencia ficción en esa época. Sin embargo, esta percepción cambió completamente tras el éxito de Star Wars en 1977. De acuerdo a Carroll: «la ciencia ficción se volvió en el género popular después de queStar Wars se estrenó y tuvo todo ese extraordinario éxito». O'Bannon comentó que «ellos [los ejecutivos de Fox] querían replicar el éxito de Star Wars. Y querían hacerlo pronto; el único guion de naves espaciales que tenían en ese momento sobre su escritorio era el de Alien». Finalmente, Fox aprobó un presupuesto inicial de 4,2 millones USD paraAlien, dando así comienzo a la fase de producción.

Selección del director y del reparto

O'Bannon pensaba que él iba a dirigir Alien pero Fox se decidió por Hill,que rechazó la propuesta debido a que tenía otros compromisos cinematográficos en ese momento, aunque también confesó que no se iba a sentir cómodo con los numerosos efectos visuales que necesitaba la cinta. Otros cineastas contemplados por Fox fueron Peter Yates,Jack Clayton y Robert Aldrich, sin embargo ninguno de ellos se habría tomado en serio la trama y podrían haberla filmado como una cinta de monstruos de bajo presupuesto de acuerdo a los guionistas y Brandywine. Asombrados por Los duelistas (1977), que significó el debut fílmico de Ridley Scott, Giler, Hill y Carroll le propusieron la dirección y este accedió sin dudarlo. Pronto Scott comenzó a crear guiones gráficos que lograron convencer a Fox del potencial que tenía la película, decidiendo incrementar el presupuesto a 8,4 millones USD. Algunas de estas ilustraciones incluían el diseño de la nave y los trajes espaciales, los cuales están influenciados por las películas2001: A Space Odyssey y Star Wars. Al igual que O'Bannon, Scott se esforzó por hacer una película que tuviera elementos predominantes del género de terror, y la describió como «la The Texas Chain Saw Massacre de la ciencia ficción». O'Bannon le mostró a Scott varias obras de H. R. Giger, entre las que figuraba Necronom IV —predecesor del diseño del alienígena—. Esta obra les agradó mucho porque se asemejaba a lo que buscaban para la apariencia del antagonista de la película, motivo que los llevó a solicitarle a Fox su reclutamiento, pese a que para los estudios su trabajo resultaba «muy tétrico y cadavérico». De acuerdo a Gordon Carroll: «desde el primer instante en que Ridley miró la obra de Giger, supo que el mayor problema de diseño y quizá el más serio en la película estaba resuelto».Scott tomó un vuelo a Zürich para reunirse con Giger, y una vez ahí le explicó a detalle el concepto de Alien, y le pidió que se hiciera cargo de los diferentes diseños.

A la izquierda, fotografía de Ridley Scott. A la derecha, representación de algunos elementos típicos de Star Wars.

Las audiciones y selección del reparto se llevaron a cabo de forma simultánea en Nueva York y Londres, para lo cual contrataron a dos directoras de casting: Mary Goldberg para Estados Unidos y Mary Selwaypara Reino Unido. O'Bannon y Shusett prefirieron definir los aspectos de la alimaña antes que los del resto del elenco, conformado por siete personajes humanos «[de sexo] intercambiable»,de tal forma que Scott, Selway y Goldberg podían elegir con qué actor o actriz trabajar según la personalidad y rasgos que definieran para cada personaje. La prioridad de Scott era buscar actores con experiencia para que así pudiera centrarse en desarrollar el estilo visual de la película. Inspirado por el concepto de «futuro explorado» de Star Wars, en el que cada elemento tiene su propia referencia histórica y tiene una apariencia antigua, el director de Alien quiso apartarse del diseño prístino con el que era representado el futuro en muchas de las películas del género y visualizó a los astronautas como «camioneros espaciales», de manera que tuvieran la apariencia de trabajadores espaciales en un entorno realista.

Scott detalló en varias páginas el trasfondo de cada personaje para asegurarse de que los actores contaran con material suficiente para interpretar su rol. Grabó también algunos de los ensayos con la finalidad de capturar la espontaneidad, improvisación y tensiones que habían en el reparto, especialmente de la entonces inexperta Weaver, y posteriormente incluir esas tomas en la película para transmitir esa misma sensación en los personajes.

Para el crítico de cine Roger Ebert, el hecho de que el reparto estuviese integrado por actores de mayor edad que aquellos que solían aparecer en las cintas de suspenso le proporcionó veracidad a la trama y actuaciones de Alien. En su opinión:

Ninguno de ellos es particularmente joven. Tom Skerritt, el capitán, tenía 46; Hurt tenía 39 pero se veía mayor; Holm tenía 48; Stanton 53, Yaphet Kotto 42. Solo Weaver y Veronica Cartwright, que tenían 29 y 30 años, tenían la edad promedio del reparto usual de un filme de suspenso. Es poco probable que muchas películas recientes de acción tengan un reparto de actores jóvenes en los papeles protagónicos o secundarios, y Alien al tener solo a mayores de edad alcanza una cierta textura: no son aventureros sino trabajadores contratados por una empresa para traer 20 millones de toneladas de minerales a la Tierra.

David McIntee, autor de Beautiful Monsters: The Unofficial and Unauthorised Guide to the Alien and Predator Films, explicó que la efectividad de la película para aterrar a la audiencia «proviene del hecho de que los espectadores pueden identificarse con los personajes... Todos los que están a bordo de la Nostromo son personas normales, cotidianas. Solo que viven y trabajan en una época futura».

Rodaje

La fase de rodaje comenzó el 5 de julio de 1978 y duró solo catorce semanas debido al bajo presupuesto y a la insistencia de Fox en que el equipo de producción se ajustara al calendario estipulado. Se utilizaron los estudios Shepperton, cerca de Londres, para grabar la mayoría de las escenas principales de la película y, aproximadamente a 40 km, los estudios Bray en Water Oakley, Berkshire para filmar los modelos en miniatura. Más de doscientos obreros y técnicos colaboraron para construir los tres principales sets de Alien: la superficie del planetoide, los interiores de la Nostromo, y la nave abandonada.

Shepperton Studios.

Bray Studios.

Los sets en miniatura del planetoide y de la nave abandonada fueron creados a una escala de 24:1 por el director artístico Les Dilley, que se basó en los diseños de Giger. También fabricó moldes para usarlos como diagramas para las distintas formas de madera y de fibra de vídrio de los sets. Para representar el planetoide, llevaron al estudio toneladas de arena, yeso, fibra de vídrio, roca y grava sobre los cuales debían caminar los protagonistas vistiendo sus trajes espaciales. El diseño de los trajes supuso un importante problema durante las grabaciones, ya que al estar forrados de nailon resultaban gruesos y voluminosos y no contaban con ningún sistema de ventilación para el escape del dióxido de carbono.Algunos de los actores estuvieron cerca de desmayarse debido a este inconveniente, sumado al intenso calor de esas fechas; para remediarlo, se le solicitó a algunas enfermeras que estuvieran a disposición de ayudar al elenco con tanques de oxígeno durante las tomas y evitar cualquier tipo de asfixia.

Para dar la impresión de que la nave abandonada tenía un gran tamaño, el equipo construyó un soporte vertical que les permitió hacer tomas desde una altura de hasta dieciocho metros. No obstante, esto no cumplió con las expectativas del cineasta, que optó por pedir que vistieran a sus hijos y al hijo de uno de los camarógrafos igual que los actores, de forma que al grabar ciertas tomas el set luciera todavía más grande. La misma técnica fue empleada en la escena en que la tripulación descubre el cadáver extraterrestre en la nave abandonada. Los niños experimentaron la misma sensación de asfixia que el reparto principal, por lo que fue necesario que les diseñaran un sistema de oxigenación para sus trajes.En total se usaron cuatro gatos para grabar las escenas en que aparece Jones, la mascota de la Nostromo.Mientras filmaban, se percataron de que el pelo de gato en combinación con la glicerina que le ponían a Weaver para aparentar sudoración le ocasionaba alergia a la actriz, razón por la que esta aparece en la película aparentemente con menos sudoración que sus demás compañeros de reparto.

En el libreto inicial de Alien, la película terminaba con la destrucción de la Nostromo y Ripley escapando a bordo de la lanzaderaNarcissus. Sin embargo Scott concibió un «cuarto acto» en el que la criatura aparece inesperadamente en la lanzadera y Ripley debe enfrentarla. Para grabar estas nuevas escenas tuvo que concretar antes un acuerdo con Fox con tal de aumentar el presupuesto y extender la filmación algunos días más de lo estipulado.Su idea original era que el monstruo le arrancara de un bocado la cabeza a Ripley y con su voz pudiera acceder a la bitácora de la nave, sin embargo los productores no estuvieron conformes con este desenlace y en cambio propusieron que la criatura muriera al final de la película. La filmación de Alien terminó el 21 de octubre de 1978.

Banda Sonora

La banda sonora fue compuesta por Jerry Goldsmith, dirigida por Lionel Newman e interpretada por la National Philharmonic Orchestra. Aunque la primera opción de Scott era el compositor Isao Tomita, Fox quería a alguien cuyo nombre fuera más reconocible. Fue Alan Ladd, Jr, el entonces presidente de la productora, quien finalmente propuso a Goldsmith.Para las escenas introductorias, Goldsmith eligió tonos que brindaran una sensación romántica y misteriosa, con tal de generar el ambiente de terror y suspenso que se buscaba escuchar a lo largo de toda la cinta. Pronto surgieron algunas tensiones respecto a su labor; Scott estaba inconforme con el tema principal que había compuesto, mientras que el editor Terry Rawlings prefirió utilizar algunas melodías anteriores del mismo compositor, incluyendo una de Freud, pasión secreta y un fragmento de Symphony No.(«Romantic»), de Howard Hanson, para los créditos finales.

Debido a que Scott y Rawlings estaban ya lo suficientemente familiarizados con los temas que iban revisando, decidieron volver a editar el material original del compositor y grabar nuevamente varias de las secuencias, pese a que parte de la revisión original de ambos se mantuvo en la versión final de la película. Al respecto, Goldsmith luego comentó: «pueden apreciar que yo estaba yendo a los extremos opuestos del polo con los realizadores de la cinta». Pese a su involucramiento y el de Rawlings en la banda sonora, Scott elogió el trabajo de Goldsmith al cual describió como «lleno de una lúgubre belleza» y «seriamente intidimidante, pero hermoso». Tras el estreno de Alien, el material resultó nominado al Globo de Oro por la «Mejor banda sonora», al Grammy al «Mejor disco de banda sonora», y a un BAFTA por la «Mejor banda sonora en una película». Han sido lanzadas desde entonces varias versiones que contienen distintas canciones y secuencias.

Montaje

Las labores de posproducción de la cinta se extendieron por veinte semanas, durante las cuales el montaje corrió a cargo de Terry Rawlings, que ya antes había colaborado con Scott en la edición de sonido de su ópera prima, Los duelistas. Para Alien, la prioridad de Rawlings y Scott fue darle un ritmo lento al desarrollo de los sucesos con tal de proporcionar suspenso a los momentos de mayor tensión. En opinión del primero: «pienso que lo que nos funcionó fue que hicimos la trama lo suficientemente lenta, algo completamente distinto a como lo hacen ahora [en las demás cintas del género]. A mi parecer, esa lentitud fue la que nos permitió crear esos momentos en que querías que la gente estuviera aterrada... podíamos ir luego tan rápido como queríamos porque [para entonces] ya has acorralado a todos en una esquina y puedes atacarlos. Creo que fue así como funcionó todo».75 Originalmente la película tenía una duración de tres horas, pero esta se fue reduciendo hasta dos conforme se llevó a cabo el montaje.

Una de las principales escenas que fueron modificadas durante el montaje mostraba a Ripley encontrándose con los cuerpos de Dallas y Brett envueltos parcialmente en una especie de capullo fabricado por el extraterrestre. La intención de O'Bannon con este segmento era dar a entender que Brett se estaba convirtiendo en un huevo incubador de la criatura, mientras que el cuerpo de Dallas estaba cerca de él para permitirle al abrazacaras resultante implantar un nuevo embrión en este último. De acuerdo al diseñador de producción Michael Seymour, Dallas «se había vuelto una especie de alimento para la criatura», en tanto que el productor Ivor Powell percibió que «se encuentra en la nave en forma de huevo, con vida». Para Scott, la escena mostraba cómo «[Dallas y Brett] están transformándose, cambiando estructuralmente hasta... ser consumidos por lo que fuera ese organismo alienígena... en un huevo». Al final se optó por recortarla ya que consideraron que se veía muy irreal, además de que alteraba el ritmo de la secuencia de escape de la protagonista. Tom Skerritt señaló que «la cinta debía mantener ese ritmo. Ella [Ripley] tratando de escapar de ese lugar de una puñetera vez, todos nosotros animándola para que pudiera hacerlo. El hecho de que ella se detuviera para charlar con Dallas resultaba algo inoportuno [en el guion]».75 La escena original fue incluida en la edición en formato laserdisc, mientras que una versión editada de la misma aparece en la edición «Director's Cut» del formato DVD, lanzado al mercado en 2003.

Doblaje

El doblaje hispanoamericano para el largometraje se realizó en el estudio ESM International Dubbing Inc. de Los Ángeles, bajo las actuaciones de Jesús Brock (Dallas), Jesús Barrero (Kane), Rocío Garcel (Ripley), Edgar Wald (Ash), Rocío Gallegos (Lambert), Jorge Roig (Parker), Jorge García (Brett) y Gloria González (Madre); Antonio Raxel dio la presentación inicial de la película. En España, el grupo In-Cine Distribuidora Cinematográfica S.A. fue el encargado de la distribución de la versión doblada para la región ibérica.

Diseño

Detesto las películas que son tan frívolas y que dependen completamente de sus efectos visuales, aunque lógicamente las películas de ciencia ficción son populares por ello. Siempre he creído que hay otra manera de hacer esto: hacer mucho esfuerzo para crear toda la atmósfera de la nave, del viaje espacial o de cualquier escenario fantástico que puedas imaginar en lo más convincente que se pueda, pero siempre en un segundo plano. Esto permite que la historia y los personajes salgan a flote y ellos puedan ser más reales. —–Ron Cobb sobre sus diseños para Alien.

O'Bannon contactó a los artistas Ron Cobb y Chris Foss —con quienes había colaborado previamente en Dark Star yDune, respectivamente— para que se encargaran de diseñar todos los elementos humanos de la película, incluyendo laNostromo y los trajes espaciales. Conforme el guion era redactado, Cobb creó cientos de bocetos preliminares de la nave jugando con diversos conceptos y nombres como «Leviathan» y «Snark».Al final se basó en los títulos de un par novelas de Joseph Conrad para denominar tanto a la nave como a la lanzadera espaciales: «Nostromo» a raíz deltítulo homónimo de 1904, y «Narcissus» por la novela El Negro del 'Narciso' de 1897. La destreza con la que Cobb representó de forma realista los interiores de la nave fue un aspecto muy elogiado por el equipo de producción. Scott fue quien decidió que la nave fuera la remolcadora de 240 m de largo de una plataforma de refinería de 3,2 km de largo y 2,4 km de ancho, Aunque Cobb también dibujó algunas imágenes conceptuales del extraterrestre, sus propuestas no fueron consideradas para el filme. Moebius, otro de los involucrados en el fallido proyecto de Dune, colaboró solamente por unos días con la producción de Alien al proponer unos diseños de vestuario que habrían de servir para los trajes espaciales de los protagonistas diseñados por John Mollo.

Sets

Si bien los tres pisos que posee la Nostromo fueron construidos casi enteramente en una sola pieza, cada uno de ellos constituyó un set por separado. Estos estaban conectados por corredores para facilitar el traslado de los actores durante el rodaje, ofreciendo así un entorno claustrofóbico más realista. El equipo realizador quiso proporcionarle un aspecto industrial a los interiores de la nave con «tecnología retro», por lo que colocaron radiorreceptores de gran tamaño y algunas pantallas de baja resolución en los sets,13 mientras que Cobb se encargó de diseñar una simbología industrial con patrones de colores para distinguir los distintos elementos y áreas de la nave.Aunque nunca se menciona en la película el nombre de la compañía propietaria de la Nostromo, en algunas escenas se aprecia que en los monitores de las computadoras y en las latas de cerveza aparece el nombre «Weylan-Yutani», junto con un logotipo.85 Cobb ideó esta denominación pensando en una inversión conjunta de Gran Bretaña y Japón —«Weylan» derivado de British Leyland Motor Corporation, y «Yutani» del apellido de un vecino suyo de nacionalidad japonesa—. No es sino hasta Aliens, el regreso que ya se identifica a Weylan-Yutani como la empresa responsable del vehículo.

Para ahorrar dinero del presupuesto, el director de arte Roger Christian utilizó chatarra para producir varias piezas del set de forma idéntica a como había hecho en Star Wars. Algunos de los corredores de la nave fueron construidos con partes desarmadas de un bombardero, e instalaron un espejo para aparentar que eran más extensos los que estaban situados debajo de cada piso. A su vez, los supervisores de efectos especiales Brian Johnson y Nick Allder fueron responsables de crear muchas de las piezas y accesorios que aparecen en el set, tales como las sillas giratorias, las pantallas de computadora, los sensores de movimiento y el lanzallamas.

H. R. Giger.

Todos los aspectos alienígenas —tales como la nave abandonada, el xenomorfo, la cámara de huevos— fueron diseñados y trabajados por H. R. Giger, que quiso darles una apariencia orgánica y biomecánica en contraste con el ambiente industrial de la Nostromo y sus elementos humanos. Para recrear los interiores de la nave abandonada y de la bóveda con huevos, esculpió los distintos elementos del escenario con huesos secos y yeso. Desde la perspectiva de Cartwright: «[los sets de Giger eran] tan eróticos... tienen grandes vaginas y penes... es como si te metieras dentro de una especie de útero o algo así... es visceral».Al principio, Fox estaba renuente a invertir una elevada cantidad del presupuesto en la construcción del set del cadáver extraterreste, personaje al que la producción apodó como el «Ingeniero», debido a que aparece en una sola escena. No obstante, el equipo de producción pudo persuadir al estudio tras explicarle la importancia que tenía ese segmento puesto que lo veían como una manera de impresionar a la audiencia y quitarle la noción de que se trataba de otra película de bajo presupuesto.13 Se construyó una sola pared del set y un disco giratorio en el cual quedó ubicado el personaje, con tal de facilitar las tomas desde distintos ángulos respecto a la posición del reparto, lo cual redundó en un ahorro para los estudios. El set y el Ingeniero fueron aerografiadoscompletamente a mano por Giger.

Aunque la película no detalla el origen del Ingeniero, el director explicó que podría haberse tratado del piloto de la nave que a su vez describió como una especie de carguero que lanzaba huevos de la criatura en un planeta, con tal de que estas criaturas pudieran usar las formas de vida de ese lugar como recipientes.En las primeras versiones del guion, los huevos iban a estar colocados en una estructura piramidal con estatuas y jeroglíficos en su interior que habrían de mostrar el ciclo reproductivo del antagonista, así como los principales rasgos de los xenomorfos y de la raza del Ingeniero. Los guiones gráficos de estas secuencias fueron trazados por Cobb, Foss y Giger, sin embargo se prescindió de ellas debido a las restricciones presupuestarias y a que no querían extender más la duración de la película. En su lugar instalaron la cámara de huevos en el mismo set del Ingeniero, aunque tuvieron que removerlo junto con la silla y el disco giratorios para poder grabar esas otras escenas. La banda de rock inglesa The Who, que ensayaba en un escenario de sonido al lado de donde filmaban Alien, quería probar un nuevo equipo de láseres para una de sus presentaciones por lo que se los prestaron para producir los efectos de iluminación que se aprecian en la cámara de huevos

Naves espaciales y planetas

La nave Nostromo se construyó con piezas de modelos hechos a escala, al igual que su refinería, la Narcissus, para que las tomas proporcionaran la ilusión de que se veía el espacio exterior En la imagen, una refinería semejante a la que está anclada en la Nostromo.

Se utilizaron modelos en miniatura para recrear las diferentes naves y el planetoide, los cuales fueron construidos en los estudios Shepperton bajo la supervisión de Brian Johnson y Martin Bower, de las áreas de efectos visuales y de modelismorespectivamente. Estos diseños estaban directamente basados en los guiones gráficos de Scott y en los dibujos conceptuales de Cobb. Por una parte la estructura básica de los modelos estaba conformada de madera y de plástico, mientras que los elementos usados para darle los acabados provenían de modelos a escala de buques de guerra, tanques y bombarderos de la Segunda Guerra Mundial. Las tomas de la Nostromo requirieron de tres modelos: una versión de 30 cm para las escenas más extensas; una de 1,2 m para las tomas posteriores de la nave, y una más de 3,7 m que se hacía acompañar de un aparejo de 6,4 toneladas para las secuencias de desacoplamiento y aterrizaje en la superficie del planetoide. Scott se portó exigente durante el rodaje y solicitaba constantemente cambios en los modelos, lo cual ocasionó algunos conflictos con los equipos responsables de modelismo. Por ejemplo, al principio la Nostromo era amarilla y el equipo trabajó en la filmación de las escenas citadas durante seis semanas hasta que Johnson abandonó el equipo para involucrarse en la producción de The Empire Strikes Back. A continuación, Scott pidió que el color de la nave fuese cambiado a gris, por lo que debieron volver a grabar dichas tomas desde cero.11 92 De similar manera, fue incorporando más y más piezas al modelo de la nave principal hasta llegar al punto en que fue necesario construir un armazón metálico para poder mover el set con unacarretilla elevadora; destruyó con un martillo y un cincel varios elementos de la refinería en los que había estado trabajando Bower durante semanas; y tuvo diferencias con el fotógrafo de los efectos de miniatura respecto a la iluminación de los modelos durante el rodaje.

Para grabar la parte inferior de la Nostromo y mostrar así la sección de la nave de la que se desprende Narcissus y de la cual es liberado el cadáver de Kane, produjeron otro modelo de 12 m de largo. Bower moldeó la mortaja con madera y para mostrar su expulsión recurrieron a una catapulta. El equipo de producción la filmó a alta velocidad, aunque luego la retardaron durante la fase de edición para lograr el efecto cinético que buscaban. La escena del desprendimiento de la lanzadera fue la única toma que requirió de una pantalla verde; todas las demás fueron grabadas con mantas oscuras que tenían estrellas superpuestas con una técnica llamada exposición múltiple. Aunque la tecnología de fotografía con control de movimiento ya existía en aquel entonces, el equipo de producción no contaba con el presupuesto suficiente para incorporarla por lo que, como alternativa, emplearon una cámara capaz de enfocar varios ángulos con el uso de lentes especiales, la cual montaron sobre un sistema de rieles que les permitió moverse lentamente frente a los modelos, así como filmar a una velocidad de 2½ cuadros por segundo. Aunque esto ayudó por si solo a dar el efecto de desplazamiento que querían, Scott decidió agregarle algunos efectos con humo y viento para darle mayor credibilidad a la secuencia. Para la escena en la que la Nostromo se desengancha de la refinería, se construyó un brazo mecánico de 9,1 m con piezas de un modelo ferroviario. El efecto del desprendimiento fue logrado con ayuda de la carretilla elevadora que cubrieron con un manto negro; de esta forma el brazo mecánico se extendió más allá de la refinería, dando la ilusión de que era este dispositivo el responsable de empujar la lanzadera. Las tomas hechas desde el exterior de la nave, en la que se aprecia a través de las ventanillas de la nave a la tripulación en operaciones, fueron logradas con modelos más extensos que contenían a su vez pantallas que mostraban escenas grabadas previamente por el elenco —técnica conocida en la industria del cine como «transparencia»—.

Ciertas áreas de la nave extraterrestre abandonada fueron pintadas con acabado mate. Para la escena en la que se observa su parte superior mientras la Nostromo aterriza en el planetoide pintaron una esfera de blanco, luego mezclaron químicos, la tiñeron en transparencias y los proyectaron sobre esta. Si bien nunca se menciona el nombre del planetoide en Alien, algunas versiones del guion contenían el término «Acheron» proveniente del nombre del río Aqueronte que en la mitología griega es concebido como el «flujo del dolor», un brazo del río Estigia, que circunda el Infierno en La Divina Comedia de Dante Alighieri. Aunque en Aliens, el regreso el planetoide lleva la denominación «LV-426», ambos términos son asociados con el planetoide en la franquicia. En esta primea cinta de la serie además se indica que el planetoide está ubicado en algún lugar del sistema galáctico Zeta II Reticuli.

Criaturas

El «huevomorfo» —del inglés: «ovomorph»— que observa Kane en una de las escenas fue creado con fibra de vidrio y, para lograr el efecto en el que se aprecia al embrión moviéndose en su interior, grabaron las manos de Scott dentro del huevo traslúcido mientras este las agitaba usando guantes de hule. La parte superior del huevo se abría por medio de un sistema hidráulico y su interior contenía las tripas y vísceras de una vaca. La secuencia fue rodada en la posproducción y durante las grabaciones de prueba decidieron usar huevos de gallina. Este material habría de aparecer luego en los primeros avances promocionales, siendo esta la razón por la que aparece este elemento en el póster y no el huevo alienígena que realmente aparece en la película.

Fotografía de un modelo en exhibición del abrazacaras.

Se usó el intestino de una oveja para representar al «abrazacaras» —del inglés: «facehugger»—y su probóscide. Para la escena en la que este sale expulsado del huevo utilizaron mangueras de alta presión, aunque para prolongar el efecto decidieron grabar de forma inversa la secuencia, es decir que se ocuparon primeramente de los últimos actos de la misma; ya en el proceso de edición, la invirtieron y redujeron su velocidad para prolongar así el efecto mencionado del abrazacaras, con el fin de volverlo más detallado para la audiencia. Esta fue la primera criatura que diseñó Giger para Alien, y aunque habían varias versiones al final eligieron aquella que se asemejaba a los dedos de una mano. O'Bannon contribuyó a estilizar la apariencia del abrazacaras tras presentarle al equipo de la película su propia versión inspirada en las imágenes de Giger, en la cual también participó Cobb. Este último sugirió que la criatura tuviera una potente sustancia ácida en su organismo, lo cual la habría de hacer invulnerable a heridas con armas de fuego o explosivos. Para emular las vísceras del abrazacaras se usaron restos de pescado y mariscos.

El diseño que Giger hizo del «quebrantapechos» —del inglés: «chestburster»— está inspirado en la pintura Tres estudios para figuras en la base de una crucifixión (1944) de Francis Bacon, aunque en los primeros bosquejos lucía más bien como «un pollo desplumado». A su vez, la escena en la que aparece esta criatura se basó en las experiencias personales de O'Bannon con la enfermedad de Crohn, según dio a conocer él mismo después.

Fotografía de una persona con un disfraz de Halloween inspirado en la escena de la película, en la que el alienígena sale expulsado del pecho de Kane.

Si bien el reparto era consciente de que el extraterrestre iba salir expulsado del cuerpo de Hurt, además de que habían visto la marioneta que sería usada en la escena por lo que tenían noción de su apariencia, lo cierto es que desconocían que la producción había colocado bombas de alta presión y petardos para hacer que la sangre falsa se esparciera por doquier. Para grabar esta escena, que se rodó en una sola toma, usaron un torso ficticio lleno de sangre y vísceras, y Hurt se ubicó debajo de la mesa de modo que solo su cabeza y brazos eran visibles en la secuencia. Un marionetista se encargó de sostener con un palo el títere a través del torso. Al llegar el momento en que la criatura salía violentamente del torso, un chorro de sangre salpicó a Veronica Cartwright que cayó súbitamente al piso y se puso histérica. De acuerdo a Skerritt: «lo que se ve en la película fue su verdadera reacción. Ella no tenía idea de qué es lo que estaba pasando. Todo sucedió repentinamente». Para conseguir el efecto en el que la criatura huye velozmente de la sala, hicieron un corte en la mesa para que el marionetista pudiera pasar entremedio el palo y, llegado el momento, impulsar el títere con una manguera de aire que le colocaron en la cola.

La sorpresa y el pánico que sintieron los actores de esta escena ayudó a darle un nivel de realismo sin precedentes a Alien, que con el tiempo contribuiría a que fuera considerado como uno de los momentos más icónicos de toda la película. Previo a su estreno definitivo, en las exhibiciones de prueba el equipo de producción se percató de que algunos espectadores se movían de sus asientos hacia la parte trasera de la sala, buscando distanciarse de la pantalla mientras era proyectada esa escena en particular. En 2007 la revista inglesaEmpire la catalogó como la mejor secuencia de cine para mayores de dieciocho años, por encima de otras como la decapitación de uno de los personajes de The Omen (1976) o la metamorfosis del protagonista de An American Werewolf in London (1981).

Otro títere se utilizó para representar el tronco y las extremidades superiores de Ash para la escena en la que se revela que este es un androide, el cual era controlado por un marionetista de baja estatura. Para filmar la siguiente secuencia en la que la tripulación de laNostromo reactiva la cabeza de Ash y la colocan sobre una mesa, recurrieron a un modelo animatrónico de la cabeza de Holm cubierto con una capa de látex. Para crear el fluido blanco que arroja el androide a causa de su mal funcionamiento se usó una combinación de leche, caviar, pasta y perlas de vidrio. Durante las proyecciones de prueba una mujer se desmayó durante estas secuencias mencionadas.

El alienígena

A mí nunca me habían gustado las películas de terror hasta ahora, porque siempre se trataba de un tipo disfrazado con un traje de plástico. Bueno, hay una forma para lidiar con eso. Lo más importante en una cinta de este estilo no tiene que ver con lo que ves, sino con el efecto de lo que crees que ves.7 —–Ridley Scott

El diseño de la versión adulta del antagonista pasó por varias versiones creadas por Giger, quien inclusive se dio a la tarea de esculpir el cuerpo en plastilina y agregarle vértebras de serpiente y tubos de enfriamiento de un automóvil Rolls-Royce, para darle los acabados y representarla con una mayor fidelidad a sus dibujos conceptuales. El diseño de las partes móviles del personaje fue responsabilidad de Carlo Rambaldi —que previamente había participado en la producción de Close Encounters of the Third Kind (1977)— tomando como fuente el trabajo de Giger y centrándose especialmente en el movimiento de la mandíbula. Para operar la lengua de la criatura, que sobresale de su segunda boca, se instaló un sistema de cables y bisagras. En total la cabeza tenía aproximadamente novecientos elementos y puntos de flexión diferentes. Para el rostro usaron el fragmento de un cráneo humano, que a su vez cubrieron con el revestimiento brillante y traslúcido que habría de representar su piel. El aspecto pegajoso que se aprecia en la película lo consiguieron al aplicar dosis considerables de lubricante K-Y Jelly al revestimiento. Para los sonidos recurrieron al actor de voz Percy Edwards —conocido por proveer sonidos de aves en varios documentales británicos de las décadas de 1960 y 1970, y los sonidos de la ballena en Orca la ballena asesina (1977) La mandíbula diseñada por Rambaldi se encuentra en exhibición en elInstituto Smithsoniano; y el cuerpo de la versión original fue subastado en abril de 2007.

Fotografía en la que aparece la cabeza de un modelo creado con base a la criatura de la película.

El actor Bolaji Badejo fue el encargado de personificar al xenoformo en la mayoría de sus escenas. Se creó un modelo de su cuerpo completo a base de yeso para confeccionar el traje de látex que habría de usar para las grabaciones. Scott explicó que, pese a que podría interpretarse que la criatura tiene la misma forma que un ser humano, esto se debe a que una de sus facultades es adquirir los rasgos del ser que infecta, y en el caso de la película es el de un hombre. Con tal de procurar que los movimientos del personaje lucieran reales, Badejo asistió a sesiones de taichí y mimetismo. En algunas secuencias, como aquella en que la criatura desciende del techo de la Nostromo para matar a Brett, el personaje fue interpretado por los dobles Eddie Powell y Roy Scammell; para lograr esa escena específica, dejaron suspendido a Powell con unos cables y luego lo bajaron con ayuda de una polea.

Fue decisión de Scott no mostrar completamente el cuerpo del xenomorfo durante casi toda la cinta, pues su intención era brindar una sensación de terror y suspenso al no dejar que fueran visibles algunas de sus partes. Desde su punto de vista, la audiencia podría proyectar sus propios temores e imaginarse cómo habría de ser el resto del xenoformo: «cada movimiento debía ser lento, pero muy sutil, y el alienígena se movía bruscamente así que nunca sabes cómo luce exactamente», declaró el cineasta. Varios críticos elogiaron el diseño del antagonista y lo catalogaron como «uno de los monstruos más representativos en la historia del cine» debido a su aspecto biomecánico y matices sexuales inherentes. Roger Ebert subrayó: «la película utiliza un mecanismo engañoso que mantiene fresco el concepto del alienígena durante toda la trama: va evolucionando la naturaleza y apariencia de la criatura, de tal forma que nunca conocemos su forma real o lo que puede hacer... la primera vez que podemos tener un buen vistazo de la criatura es cuando este sale del pecho del pobre Kane (John Hurt). Tiene una forma fálica inconfundible, tanto así que el crítico Tim Dirks la compara con una "chorreante boca vaginal"».

Lanzamiento

Proyecciones de prueba y avances promocionales

Antes de su estreno, se realizaron dos proyecciones de prueba con el propósito de analizar la reacción de la audiencia. Sin embargo, la primera no les permitió obtener conclusiones definitivas debido a fallas en el sistema de sonido de la sala. Esta se llevó a cabo en San Luis, Misuri y entre sus asistentes contó con algunos ejecutivos de Fox. En la segunda, realizada en un cine recién inaugurado en Dallas, Texas, no ocurrió ningún inconveniente técnico y sí pudieron captar la reacción de pánico que esperaban ver en los asistentes. Terry Rawlings, uno de los productores de la película, presenció esta función especial y comentó al respecto: «fue la presentación más increíble en la que jamás haya estado. Había gente gritando y corriendo hacia la salida».

Posteriormente los estudios distribuyeron dos avances publicitarios para promover Alien: el primero consistía en una sucesión rápida y alternada de imágenes acompañadas de algunos arreglos musicales que Goldsmith compuso para la película Logan's Run (1976). El otro contenía algunas grabaciones de prueba que tenían de fondo la música compuesta para la película. Se usó a su vez el eslogan «en el espacio, nadie puede oírte gritar» para fines publicitarios.

Mercadotecnia

Se pusieron a la venta varios productos durante el período de lanzamiento de la película, entre los cuales se incluyen una novelización por Alan Dean Foster en dos versiones —una para adultos y otra para jóvenes— y que consistía en una adaptación del guion; y una historieta por la revista estadounidense Heavy Metal, titulada Alien: The Illustrated Story, que venía acompañada de un calendario anual con imágenes de la película. La editorial Bruguera se encargó de traducir una versión al español de esta última, la cual apareció en 1979 en España. Ese año también se pusieron a la venta dos libros acerca de la producción de Alien: el primero, The Book of Alien, contiene varias fotografías e información sobre el rodaje; el otro, titulado Giger's Alien, incluye muchas de las imágenes conceptuales de Giger para la cinta. Otros productos fueron un LP con algunas de las melodías de Goldsmith —el tema principal de Alien estuvo disponible como sencillo en solitario en 1980—, un modelo a escala de doce pulgadas del alienígena por parte de Model Products Corporation en los Estados Unidos y por Airfix en Reino Unido; una figura de acción de la misma criatura producida por Kenner, así como un juego de mesaen el que los jugadores deben competir para ser el primero en llegar a la lanzadera mientras algunos extraterrestres los persiguen por los corredores de la Nostromo; disfraces para Halloween; y varios juegos de computadora inspirados en la película, aunque estos últimos se distribuyeron después del estreno de Alien. Dos videojuegos homónimos fueron producidos en los años 1980, inspirados en la temática del filme: el primero, desarrollado por la compañía Fox Interactive y publicado en 1982 para la consola Atari 2600, está basado tanto en el largometraje como en el juego Pac-Man. El segundo cuenta con un sistema de juego diferente y fue desarrollado por Amsoft, Concept Software Ltd. y Argus Press Software Ltd., para las consolas Commodore , ZX Spectrum y Amstrad CPC.

Estreno

La versión definitiva de Alien comenzó a proyectarse en salas de cine de EE.UU., el 25 de mayo de 1979. Varias personas acudieron el día del estreno al Grauman's Egyptian Theatre en Hollywood, y se formó una larga fila que se extendió por algunas manzanas. Afuera del edificio se instaló un set con modelos y accesorios relacionados con la película y, a manera anecdótica, algunos devotos le prendieron fuego a un modelo del Ingeniero al considerar que se trataba de una «obra satánica». En Reino Unido sí hubo un estreno de gala al que acudieron los actores y el equipo de producción, durante el Festival de Cine de Edimburgo el 1 de septiembre de 1979, evento que fue seguido de una proyección en el Odeon Leicester Square, en Londres, el 6 de septiembre.

Recepción

Comercial

Durante su primer fin de semana, del 25 al 28 de mayo de 1979, se recaudaron 3 527 881 USD en noventa y un salas de cine de EE.UU y Canadá —mercado doméstico—. Tras su estreno internacional, en el fin de semana que va del 22 al 25 de junio los ingresos ascendieron a 5 312 945 USD, mientras era exhibida en 613 salas. En total, Aliense exhibió en 713 salas de cine de todo el mundo y su recaudación en territorio estadounidense fue de 80 931 801 USD. A esta cantidad hay que sumarle los 24 000 000 USD adicionales que obtuvo en otros países, que da un total de 104,9 millones USD.

Fue la 6.° película con mayores recaudaciones de 1979 y es uno de los filmes de ciencia ficción con mayores ingresos en la historia del cine. Dentro de la franquicia de Alien, es la cuarta película con mayores ingresos después de Prometheus (2012), Aliens: el regreso (1986) y Alien vs Predator.

Crítica

Anglosajona y de otros países

Las primeras evaluaciones hechas por la prensa fueron variadas; algunos críticos que generalmente no emitían opiniones favorables de películas de ciencia ficción, como Barry Norman de la serie Film de la BBC, le dieron una buena calificación. Otros, sin embargo, emitieron comentarios negativos como fue el caso de Vincent Canby y Leonard Maltin, de Variety y Sight and Sound, respectivamente. En su reseña, Time Out describió Alien como un «costal vacío cuya producción y costosas tretas no pueden disfrazar su escasa creatividad». En un episodio de 1980 del programa Sneak Previews, en el que se discutió sobre varias películas de ciencia ficción de las décadas de 1950 y 1970,Gene Siskel y Roger Ebert se mostraron severos ante Alien. Este último comentó que se trataba «fundamentalmente [de una cinta] de suspenso sobre una casa intergaláctica embrujada montada dentro de una nave espacial», además de catalogarla como una «decepción» en comparación con Star Wars, Clouse Encounters of the Third Kind y 2001: A Space Odyssey. A pesar de lo anterior, elogiaron la escena en la que la tripulación de Nostromo explora la luna del planetoide, al decir que evidenciaba un «auténtico ingenio [por parte de la producción]».

Con el transcurso del tiempo algunos de los anteriormente mencionados como Maltin y Ebert cambiaron de opinión respecto a la película, la cual comenzó a tener una mayor cantidad de reseñas positivas centradas en el realismo presente en sus escenas, y en sus escenarios. El sitio recopilatorio Rotten Tomatoes la puntuó con un 97 % sobre 100, lo que indica una crítica muy positiva, a partir de 89 reseñas, en tanto que Metacritic le dio a la versión del director un 83 % de aprobación, de un total de 22 críticas. En 2003, el interés mediático por la película se reavivó en parte por el estreno de la versión del director. Ese año, Ebert la incluyó en su columna de «Películas grandiosas», y la listó inclusive como una de «las películas contemporáneas de acción más influyentes», destacando su ritmo, ambiente y entornos:

«Una de las mayores fortalezas de Alien es el ritmo con el que transcurre su historia. Se toma su tiempo. Hace pausas. Permite los silencios —las majestuosas escenas iniciales contienen la musicalización de Jerry Goldsmith con unos parloteos metálicos lejanos y apenas audibles—. Se infiere sobre la magnitud del descubrimiento que hace la tripulación, algo que se va comprendiendo paso a paso: la sintonización de una señal —¿es de peligro o de auxilio?—. El aterrizaje en una zona alienígena. La inquietud de Brett y Parker, quienes solo están interesados en recibir su sueldo. El toque maestro de la atmósfera sombría por la que los tripulantes se mueven, tanto que las luces de sus cascos apenas pueden traspasar la densidad de su entorno. La lóbrega silueta de la nave extraterrestre. El encuentro con el piloto extraterrestre petrificado en su silla de comando. El extraordinario descubrimiento que hacen en el interior de la nave. —«Lleno de ... huevos membranosos...»

La mayoría de los críticos coincidieron en la sugestiva temática sexual de las escenas, al igual que el aparente entorno laberíntico de su etérea atmósfera sombría. De igual manera, otros especialistas comentaron sobre la relación que guarda la cinta con otras de la época, debido a que marcó un hito en la ciencia ficción cinematográfica. En la imagen se aprecia la portada de una revista con un sentido de terror y misterio, parecido a lo que experimenta Ripley durante la película.

McIntee elogió el filme y lo consideró «posiblemente la combinación indiscutible entre el suspenso de terror con decorados de ciencia ficción». También mencionó que se trata primordialmente de una película de terror, más que de ciencia ficción, al considerar que este último género tiende analizar el desarrollo de la civilización humana bajo otras circunstancias de vida. En vez de eso, Alien está centrado en gente siendo atacada por un monstruo: «está ambientada en una nave espacial en el futuro, pero es sobre personas que no quieren ser devoradas por un monstruoso animal babeante. Peor todavía: más bien [trata] de un grupo de gente que busca no ser violada por un monstruoso animal babeante». Junto con Halloween (1978) y Viernes 13 (1980), la catalogó como un prototipo para el género de películas slasher: «la razón por la que es una buena película y por la que tanto los críticos, que son los que generalmente desaprueban el género, como el público casual quedaron cautivados, es que sintetiza todo aquello que nos aterra en el cine». En su opinión, está destinada para múltiples audiencias: «[a] los fanáticos de las cintas de suspenso de corte hitchcockiano les gustará por su humor cambiante y su ambiente siniestro. A los seguidores del cine gore les gustará por el quebrantapechos. Los cinéfilos de ciencia ficción la amarán por su sólida decoración futurista y las máquinas sofisticadas. A los hombres les encantará por el elemento de supervivencia y a las mujeres por no ser ese personaje inútil que [suele] estar en apuros».

A su vez, Andrew O'Hehir de Salon.com notó que «contiene un profundo sentido existencialista que hace que se sienta como un filme negro» y comentó que es mejor que sus continuaciones «cada vez más barrocas» ya que «es una película sobre la soledad humana en medio de la amoralidad y sentimiento de vacío que implica la creación. Es una perspectiva izquierdista cínica de los años 1970 en la que ninguno de los problemas que aquejan a la Tierra durante el siglo XX —la división de clases, la explotación capitalista, la subyugación de la humanidad ante la tecnología— se han solventado en lo más mínimo por las incursiones humanas en el espacio exterior». En su evaluación agregó al final que «casi todos las películas de terror desde Alien se han torcido en cierta manera, aunque la mayoría de sus imitaciones se han enfocado más que nada en sus detalles, en un monstruo mecánico asesino que tiene una apariencia tanto vaginal como fálica; los goteantes y recónditos pasadisos de la Nostromo; esas imágenes biomecánicas tan impactantes de Giger, y se perdió lo que podríamos denominar como el zeitgeist general de la película».

David Edelstein concluyó que «Alien todavía es el texto clave del subgénero de "cuerpos terroríficos" que floreció —o dependiendo de tu punto de vista, decayó— en los años 1970, y los diseños de Giger cubrieron todas las formas posibles de ansiedad. Hombres atravesando puertas semejantes a vulvas, que quedan embarazados y que dan a luz a una estrepitosa y viscosa vagina colmilluda que al final los asesina, ¿cómo piensas que reaccionarán? Esto es lo que David Cronenberg llamaría "la nueva chicha", una separación de los límites entre el hombre y la máquina, la máquina y el alienígena, y el hombre y el alienígena, cuyas irrupciones psicosexuales jamás han sido, gracias a Dios, reproducidas de nuevo».

En 2002, el National Film Preservation Board de los Estados Unidos listó a la película en el National Film Registry de la Biblioteca del Congreso para su preservación histórica junto con otras películas de 1979, como All That Jazz, Apocalypse Now, The Black Stallion y Manhattan, «por considerar su importancia cultural, histórica, o estéticamente, significativa», En 2008, el American Film Institute colocó a Alien en la 7.° posición dentro de la categoría de las «Mejores cintas de ciencia ficción», como parte de su listado AFI's 10 Top 10, en un programa especial de televisión de la CBS en la que se enumeran diez categorías distintas sobre las mejores películas clásicas del cine estadounidense. La lista se basó en un sondeo hecho a más de 1500 artistas de cine, críticos e historiadores, en las que Alien superó a Terminator 2: Judgment Day (1991), aunque estuvo por debajo de Blade Runner (1982), también dirigida por Scott. Ese mismo año, la revista británica Empire la colocó en la 33.° posición de su lista sobre las «quinientas mejores películas de la Historia», la cual está basada en una encuesta realizada a 10 200 lectores, críticos y miembros de la industria cinematográfica. El sitio webInternet Movie Database la colocó en su lista de «1000 películas que debes ver antes de morir», en la vigésima tercera posición; en otra lista de la misma página web, El octavo pasajero aparece en la lista de «100 películas sorprendentes» en la cuadragésima sexta posición.

Hispanoamericana y española

De manera similar al impacto causado en los países de habla inglesa, El octavo pasajero —subtítulo que se le dio al filme para ser distinguido de otros con la misma temática tuvo una buena recepción en los países de habla hispana. En varias evaluaciones, los críticos se mostraron sorprendidos por su estructura argumental, la «latente paranoia en un medio laberíntico», sus escenas y el extraterrestre en sí, a pesar de que la mayoría de las reseñas en español se dieron de manera posterior al estreno de la cinta en los años 1970.

Liliana Saéz, de ElEspectadorImaginario.com, mencionó que a diferencia de otras cintas del género de ciencia ficción como E.T.: El extraterrestre (1982) —en las que los alienígenas aparecen de una manera amigable y tierna—, en esta ocasión la criatura que da nombre a la cinta ostenta el rol del antagonista. Además comentó que es «por fin una mujer la que se encarga de hacerle frente a esta amenaza, que no solo la condena a ella sino a toda la raza humana». El sitio web argentino El Arlequín.com comentó que «si uno se atiene al diálogo, el mismo es fluido pero bastante genérico (no hay nada memorable en los parlamentos del filme). En cambio Alien funciona más como una serie de esqueletos de escenas, en donde el director se encarga de llenar los blancos», razón que dio a partir de una relación que encontró con el libro Podemos recordarlo por usted al por mayor de Philip K. Dick, obra que O'Bannon y Shuset adaptaron para Total Recall (1990). A su vez, Sergio López Aguirre, de la revista mexicana Cine PREMIERE, destacó la actuación de Weaver como Ripley, y dijo que el personaje si bien puede considerarse como una «heroína de acción», posee sus defectos y «teme por su vida [...pero] está dispuesta a enfrentar al octavo pasajero del Nostromo». Concluyó en su reseña que «estamos así ante un enemigo que a su vez resulta una metáfora de la misma cinta: obscuro, aterrador, elegante, con un desarrollo lento pero que al llegar a su etapa madura, a su clímax, es un organismo único, un organismo perfecto».

Jordi Batlle Caminal, un editor del diario español El País, mencionó que era una «obra maestra, filme hermoso, tenebroso, tenso, angustioso cuento gótico de horror por cuyas arterias y espeluznantes pasillos corren fantasmas de Conrad y Lovecraft. Es el suspense sobrecogedor, el más sobrecogedor de los últimos tiempos». El sitio Decine21.com, también de España, comentó que «en el verano de 1979 algo cambió en el cine. Nunca hasta entonces una película de ciencia ficción había sido tan siniestra y terrorífica, nada que ver con la claridad cristalina, aséptica y también inquietante de la película con mayor impacto del género: 2001: una odisea del espacio», y añadió que la mayor parte de la película presenta muchos tonos tenebrosos y singulares que le dan un toque especial al argumento. CINEol.com comentó que se diferencia de la «infinidad de películas que aborda el mismo contenido —ficción, terror y extraterrestres—», aspecto que consideró relevante para brindarle una puntuación máxima de 5/5 estrellas. Tras percibir su relación con otras películas de la época, así como sus divergencias respecto a otros conceptos recurrentes dentro del género, ElCriticón.com la describió como «una admirable disposición visual dentro de una trama centrada en el natural sentido de supervivencia en un medio inhóspito —el "malvado" Alien simplemente está defendiendo su vida—, aunque no puede evitar temas coyunturales a la época y una meliflua ilustración de caracteres, inmersos en lo realmente importante, extremar la peligrosa situación en la que se hallan». Al considerar que las cintas de terror tienen que ver generalmente con el asesinato y la intriga, subrayó en su reseña que la importancia de la película radica en el trato que cada uno de los tripulantes le da a la criatura. Asimismo, una de las cuestiones que los críticos notaron fue el hecho de que el subtítulo en español de la película resultó impreciso, puesto que para algunos críticos, el monstruo en realidad refería a un noveno pasajero, si se llega a tomar en cuenta la presencia del gato de la nave.

Premios

Alien ganó el premio a los «Mejores efectos visuales» y obtuvo una nominación en la categoría de «Mejor dirección de arte» en la entrega de los premios Óscar en 1979.También ganó el Saturn como «Mejor película de ciencia ficción», «Mejor director» para Scott, y «Mejor actriz de reparto» para Cartwright, y tuvo nominaciones en las categorías de «Mejor actriz» para Weaver, «Mejor vestuario y maquillaje» para Hay, «Mejores efectos especiales» para Brian Johnson y Nick Allder, y por último «Mejor guion» para O'Bannon. De igual manera también se la nominó en otras ceremonias como los BAFTA, como «Mejor diseño de vestuario» para John Mollo, «Mejor edición» para Terry Rawlings, «Mejor actor de reparto» para Hurt y «Mejor actor prometedor para un papel protagónico» para Weaver. Ganó el Hugo a «Mejor presentación dramática», al igual que un «Caracol Plateado» en el rubro de «Mejores efectos especiales y fotografía» en el Festival de Cine Internacional de San Sebastián. La British Society of Cinematographers nominó igualmente el trabajo de fotografía de Derek Vanlint. A su vez, la banda sonora recibió tres postulaciones como «Mejor banda sonora» en losGlobos de Oro, un premio Grammy al «Mejor álbum de banda sonora para película, televisión u otro medio visual», además de un BAFTA por «Mejor música original».

Formato casero

Alien ha tenido varios lanzamientos en diversos formatos caseros de vídeo con el paso del tiempo. El primero consistió en una versión de diecisiete minutos para Super-8 Igualmente estuvieron disponibles las versiones VHS y Betamax para su alquiler, mismas que terminaron generando ganancias valuadas en 40 300 000 USD tan solo en EE.UU. Muchos de los lanzamientos posteriores en VHS se vendieron tanto de forma individual como en paquetes compilatorios. Otras versiones posteriores incluyeron los formatos Laserdisc y Videodisc, que contienen escenas eliminadas y comentarios del director como características especiales adicionales. Uno de los paquetes VHS comercializados incluye la cinta original junto con Alien, el regreso y Alien³, en una caja diseñada con el aspecto de un abrazacaras. Como material adicional, contiene las escenas eliminadas que ya incorporaban las ediciones para Laserdisc. Tras el estreno de Alien: resurrección (1997), produjeron otro set que contenía la trilogía original, y un disco adicional en el que describen el proceso de realización de la película. Unos meses después, el mismo conjunto volvió a salir a la venta pero esta vez con Resurrección en vez del vídeo explicativo sobre su producción. Dos años después, en 1999, Alien comenzó a distribuirse en formato DVD, tanto de manera individual como en compilatoria. En este último caso, el paquete recibió el nombre de The Alien Legacy e incluyó las cuatro películas de la serie estrenadas hasta entonces. Este mismo recopilatorio salió en VHS e incorpora comentarios de Scott. Una última edición llamada Alien Anthology, pero esta vez en Blu-ray, con sesenta horas de material inédito y 12 000 imágenes sobre la producción de las películas de la serie, e igualmente el material encontrado en The Alien Quadrology, se añadió a esta versión además de contenido especial que en otras versiones no estaba disponible.

Versión del director

En 2003, Fox planeaba el lanzamiento de la caja recopilatoria de discos DVD The Alien Quadrilogy, que incluiría las cuatro cintas de la serie Alien. Adicionalmente, contendría versiones alternativas de cada una de las películas a manera de «ediciones especiales» y «versiones del director». Fox le sugirió a Scott que remasterizara y restaurara ciertas tomas que habían sido cortadas de la versión final de Alien, para el estreno de una versión extendida de la cinta. Después de ver la edición terminada, este pensó que era demasiado larga y decidió que era mejor recortarla a una versión más breve:

Después de ver la edición extendida de la cinta, creí que esta era demasiado larga y que su ritmo resultaba desproporcionado. Después de todo, hubo una razón por la que recorté todas esas escenas en 1979. Sin embargo, bajo la premisa de darle a los fanáticos una nueva experiencia con Alien, consideré que debía haber un punto medio adecuado. Así que decidí acortar esa versión tan larga en una edición más dinámica y pulida del filme original. Para fines comerciales, esta edición es la que se conoce como «Versión del director».

La definición tradicional del término «Versión del director» supone la restauración de la versión original que se estrenó, libre de contener cualquier tipo de idea no incluida en su edición original. También significa que el director puede ignorar por fin todas las intromisiones que los ejecutivos del estudio habían tenido con la cinta, y esta ha sido reestructurada a su forma primignea. Pero no es el caso que pasa con Alien: Versión del director. Esta es una bestia totalmente dispar. ——Ridley Scott sobre la reedición de Alien

La versión del director contenía cuatro minutos extras de tomas eliminadas, pero para adaptarlas a la cinta original se tuvieron que recortar otros cinco minutos, lo que hacía que la película durara un minuto menos que la versión original.Muchos cambios resultaron ser menores, como algunas modificaciones en los efectos de sonido, mientras que algunas escenas inéditas, como aquella en la que Ripley se encuentra con los capullos de Dallas y Brett mientras escapa de laNostromo, se arreglaron digitalmente. Fox decidió estrenarla en cines, y debutó el 31 de octubre de 2003. La recopilación Alien Quadrilogy salió a la venta el 2 de diciembre del mismo año, con ambas versiones de la película y nuevos comentarios hechos por todo el equipo de producción, además de otros contenidos especiales y un documental llamado The Beast Within: The Making of Alien. Cada película tuvo su lanzamiento correspondiente en DVD por separado, en el cual ya venían ambas versiones de cada una. Scott se dio cuenta de que le agradaba más la versión original de Alien. En sus palabras: «por alguna u otra razón, siento que la versión original de Alien fue impecable. Y todavía sigo sintiendo eso». También mencionó que la cinta original «continúa siendo mi preferida». En algunas entrevistas, ha señalado que considera a las dos como versiones del director, aunque remarca que la de 1979 es la mejor que pudo haber hecho en aquella época.

La edición Alien Quadrilogy permitió que Alien obtuviera nuevos premios y nominaciones. Por ejemplo, ganó los galardones de DVDX Exclusive como «Mejores comentarios de audio», «Mejor DVD en general» y «Mejor película clásica», además de resultar nominada en las categorías de «Mejor detrás de cámaras» y «Mejor diseño de menú».Igualmente se hizo acreedora al premio Sierra por «Mejor DVD», y tuvo una nominación Saturn como «Mejor colección de DVD», así como un par adicional de postulaciones en los premios Golden Satellite respecto a «Mejores extras en un DVD» y «Mejor DVD en general». Tanto la versión original como la del director salieron a la venta en 2010 en formato Blu-ray, pudiéndose adquirir de manera individual o como parte del conjunto Alien Anthology.Asimismo, este compendio es considerado como uno de los más completos en cuanto a información adicional se refiere respecto a la serie fílmica.

Impacto cultural y legado

Imitaciones e influencias

Muchas producciones deseaban tener el éxito comercial que había alcanzado Alien. Asimismo, otras cintas de terror sirvieron de inspiración para esta última. En la imagen, el póster publicitario de la película Plan 9 del espacio exterior, cinta cuya trama incluye temáticas de viajes espaciales y contacto alienígena.

Alien consiguió un impacto profundo y duradero en los géneros de ciencia ficción y de terror dentro de la industria cinematográfica. Poco después de su estreno, el escritor Jack Hammer demandó a O'Bannon por haber plagiado supuestamente un guion de su autoría, titulado Black Space. Sin embargo, O'Bannon fue capaz de mostrar que él había escrito antes su libreto. Ante el éxito conseguido por la película, varios cineastas imitaron o adaptaron algunos de sus elementos, e inclusive eligieron el mismo título para sus producciones. Una de las primeras fue The Alien Dead (1979), nombrada así de último momento para conseguir cierto beneficio financiero a costa de la popularidad del filme de Scott Contamination (1980) iba a ser titulada originalmente Alien 2, pero los abogados de Fox contactaron al director y guionista Luigi Cozzi para que cambiara el nombre de la película. A pesar de ello, una secuela italiana no autorizada, llamada Alien 2 - Sobre la tierra, se estrenó en 1980 e incluyó criaturas de otros planetas que usaban a humanos como recipientes, de forma idéntica a la película de los estudios Fox. Otras películas de ciencia ficción que usaron elementos de Alien fueron Inseminoid(1981) y Xtro (1982). Ambas se enfocan en la abducción por parte de seres extraterrestres, los cuales inseminan a los protagonistas, quienes deben de dar a luz a los productos de estos y mientras los alumbran, los personajes mueren bruscamente a causa de la cría.

Alien de 1979 es un filme más racional que sus secuelas: sus personajes (y la audiencia) quedan inmersos realmente en la curiosidad sobre esas extrañas formas de vida... Desafortunadamente las cintas en las que esta influyó solo estudiaron las emociones que genera, mas no su astucia.23 ——Roger Ebert acerca del impacto mediático de Alien.

La influencia de Alien no solamente ha estado presente en la industria cinematográfica, ya que existen historietas, videojuegos, programas de televisión y productos distintos que han utilizado los elementos narrativos y visuales de la película. A diferencia de los casos mencionados anteriormente, El octavo pasajero ha servido de influencia para otras producciones, y no como medio a partir del cual imiten o plagien su contenido. En cuanto a juegos virtuales, está el caso de Metroid, una franquicia creada por la compañía japonesaNintendo bajo el concepto original de Yoshio Sakamoto y Gunpei Yokoi. El equipo de desarrollo comentó que la cinta había influido en el ambiente «claustrofóbico y solitario» característico de los juegos, además de que existen ciertas referencias a la trama de Alien en elprimer juego de la serie, además de que varios personajes los bautizaron con los mismos nombres de algunos de los productores de la película. Igualmente, Chrono Trigger, considerado por GameSpot como el «mejor juego RPG de la historia», posee también vínculos con la película de Scott. En palabras de su diseñador gráfico, Yasuhika Kamata, la iluminación y los efectos visuales estuvieron fuertemente basados en la atmósfera presentada por la producción de Fox. Otros videojuegos que guardan semejanzas con el concepto presentado por la cinta son Contra y Conker's Bad Fur Day. De vuelta al ámbito del cine, la película japonesa Akira contiene a su vez referencias a varios largometrajes de Scott, entre los cuales figura Alien. El guionista y productor de la casa cinematográficaPixar, Andrew Stanton, declaró ser un fanático de la cinta y de Sigourney Weaver, tanto así que la contrató para que ella interpretara la voz de la nave Axioma en la película animada WALL·E, también ambientada en el espacio exterior.

Diversos académicos han efectuado estudios de carácter filosófico de acuerdo a los elementos que posee Alien y sus continuaciones. Este tipo de estudios parten del concepto autómata que planteó Isaac Asimov en sus tres leyes de la robótica, que permiten a un ser artificial convertirse en una «máquina sensible y potencialmente consciente de sí mismo». La aparición de otros personajes parecidos al de Ash en las demás secuelas, ha sido objeto de observación por parte de los académicos sobre la relación que los humanos tendrían con estos seres, los cuales tienden a ser denominados como «los otros», ya que Ripley tiende a tratarlos con cierto recelo y desconfianza, una forma de «racismo tecnológico que puede evolucionar en una segregación racial robótica». Esta idea relacionada con la tecnofobia puede provenir de la escena en la que Ripley es acosada sexualmente por un ente sin deseos pulsantes, además de la tarea que la computadora le encomienda a Ash respecto al ser alienígena.

Vínculos

Algunos críticos reconocieron múltiples referencias a otras obras previas de ficción. Por ejemplo, en cuanto a otras películas, destacan The Thing from Another World (1951),23154 It! The Terror from Beyond Space (1958), Tiburón (1975) y Halloween (1978). En el ámbito literario, existen conexiones con elementos argumentales de And Then There Were None (1939), The Voyage of the Space Beagle (1950) de A. E. van Vogt, las historias de la serie The Black Destroyer —donde se narra cómo un extraterrestre con forma de gato se infiltra dentro de una nave y comienza a cazar a los tripulantes, Discord in Scarlet —en la que un extraterrestre implanta huevos parasitarios en unos pasajeros, que luego eclosionan y cuyas larvas comienzan a alimentarse de ellos mientras salen de sus cuerpos. A pesar de ello, O'Bannon negó que esta última fuera una de las fuentes de inspiración para redactar la historia de Alien. Van Vogt —el escritor de la mencionada novela— inició una demanda en contra de Fox debido a las semejanzas con la cinta, pero Fox resolvió el caso en un arreglo extrajudicial. Rick Sánchez, del sitio web IGN, notó el «sorprendente parecido» con la obra clásica de Mario Bava, Terror en el espacio, específicamente en la secuencia en la que un grupo de investigadores encuentran unas ruinas que albergan una considerable cantidad de esqueletos gigantescos, al igual que la relación entre los escombros de las edificaciones con las escenas de la nave en sí misma, lo cual guarda similitud con la nave espacial abandonada que aparece en Alien. A pesar de las semejanzas visuales entre ambas cintas, tanto O'Bannon como el director Scott sostuvieron durante una entrevista que ellos no habían visto Terror en el espacio.

El escritor David A. McIntee también observó ciertas similitudes con la serie de televisión Doctor Who, en particular con el serial «The Ark in Space» (1975), en el que una reina alienígena parasitaria con forma de insecto inyecta unas larvas en el interior de unos humanos, que luego comienzan a comerse a sus huéspedes. Otra relación que encontró McIntee, en lo referente a la primera mitad de la película, fue con la obra En las montañas de la locura, de H. P. Lovecraft, al decir que «no [se parecen] en el argumento, pero sí en su pavorosa forma de generar intriga». Al final, calificó a la cinta como «la mejor película lovecraftiana jamás hecha, aun sin ser una adaptación de [las obras de] Lovecraft», debido a las semejanzas que guarda en cuanto temáticas y entornos con otros trabajos de dicho escritor. En 2009 O'Bannon reconoció el legado de Lovecraft como una de las principales influencias de Alien al decir: «una de las cosas que quedaron demostradas es que no puedes adaptar a Lovecraft de forma efectiva sin un estilo visual extremadamente fuerte ... Lo que necesitas es un equivalente cinemático de la prosa de Lovecraft». A la anterior declaración se sumó la de Giger, quien confesó que el guion original de O'Bannon «le había gustado particularmente porque vi que estaba en la corriente de Lovecraft, una de mis mayores fuentes de inspiración». Una de las historias de [Sherlock Time] publicada en la revista [Hora Cero Semanal] (N°89 al 104, del 13 de mayo al 26 de agosto de 1959), escrita por [Héctor Germán Oesterheld] y dibujada por [Alberto Breccia], tiene un argumento similar al de la película. Mientras que en la película encuentran al Alien en una luna con temperatura bajo cero, en Sherlock Time encuentran una extraña criatura en la Antártida.

Temáticas sexualesLa crítica observó un aspecto notorio en la película: el contenido sexual implícito que está presente en la trama. Barbara Creed realizó un análisis a la película en cuanto a los elementos simbólicos del organismo. Adrian Mackinder, junto a los analistas Ximena Gallardo C. y C. Jason Smith, compararon el ataque del abrazacaras contra Kane con una violación masculina y a la escena del quebrantapechos con un alumbramiento violento, mientras que la forma fálica de la cabeza del ser y la manera en que asesina a los miembros de la tripulación, son muestra de la presencia de este tipo de elementos sexuales. O'Bannon mencionó que la escena del abrazacaras es una metáfora sobre el miedo viril a la penetración, y que ese «abuso oral» recibido por Kane funge como una «compensación» para todas esas películas de terror en la que las mujeres sexualmente vulnerables son atacadas por monstruos masculinos. McIntee subrayó qué: «Alien es una película sobre violación, como lo es Perros de paja (1971), I spit on your grave (1978), o The Accused (1988). En un nivel trata sobre una amenaza alienígena. En otro, sobre el parasitismo y enfermedades. Pero el nivel que pasó a ser más importante para los guionistas y el director fue el concerniente al sexo y la reproducción a través de medios poco ortodoxos. Y trata de cómo es que le pasa todo esto a un hombre». Adicionalmente, señaló que la película fantasea sobre los miedos masculinos y sobre la falta de comprensión sobre el embarazo y el parto, a la vez que le muestra a las mujeres esta perspectiva. De acuerdo con la analista de cine Lina Badley, el diseño del Alien contiene fuertes connotaciones freudianas, múltiples alegorías fálicas y una prominente símil femenina, proporcionan una alusión andrógina conforme a las asignaciones arquetípicas y metafóricas en las películas de terror que acaban por redefinir el concepto de género establecido en otras películas de la época. O'Bannon describió que el contenido sexual en Alien es «evidente y deliberado», pues: «una de las cosas que más perturban a las personas es el sexo [...] Así que me dije: “así es como voy a irritar al público; los voy a agredir sexualmente. No voy a ir detrás de las mujeres, voy a inquietar a los hombres. Voy a poner cada idea que se me ocurra para que todos los hombres se crucen de piernas. Violación oral homosexual, parto. La cosa [el alíenígena] deposita sus huevos en tu garganta, todos ellos”».

Serie fílmica

El éxito comercial de Alien llevó a Fox a financiar tres continuaciones directas en los siguientes dieciocho años, cada una escrita por diferentes guionistas y con diferentes cineastas al frente. Weaver fue la única actriz del reparto original en participar en todas las películas, mientras que los encuentros de su personaje con los extraterrestres se volvió el eje principal de la serie. Aliens, el regreso (1986), dirigida por James Cameron, se centra más en la acción y narra cómo Ripley regresa al planetoide acompañada de un grupo de marines para enfrentarse a legiones de estas criaturas con las que anteriormente tuvo que lidiar. Alien³ (1992), bajo la dirección de David Fincher, presenta una temática nihilista y detalla como Ripley que se encuentra atrapada en un planeta se enfrenta a la raza del monstruo. En un intento por salvar a sus compañeros, se sacrifica con el fin de evitar que la criaturas se reproduzcan. Finalmente, en la cinta de Jean-Pierre Jeunet, Alien: resurrección (1997), Ripley resucita en el futuro mediante clonacióncon el fin de ayudar a combatir a los xenomorfos.

Sigourney Weaver.

Creo que sería genial volver atrás [a los hechos que anteceden a Alien], porque siempre me he planteado esa pregunta muchas veces: «¿De dónde vino el alienígena?» La gente realmente quiere saberlo de una manera muy concreta. Sigourney Weaver, opinando sobre la producción de Prometheus

La buena recepción que tuvo la serie de películas condujo a su vez a la creación de una franquicia de medios que incluye varias novelas, historietas, videojuegos, juguetes y otros productos y mercancía. Algunos de estos artículos comenzaron a comercializarse bajo la marca Alien vs. Predator, un crossover donde los xenomorfos se enfrentan al personaje titular de la serie de películas iniciada por Depredador (1987). A continuación se produjeron otras cintas basadas en este concepto: Alien vs. Predator (2004), dirigida por Paul W. S. Anderson, y Aliens vs. Depredador: Requiem (2007), de Colin y Greg Strause. En ninguna de ellas aparece Ripley, pues la trama se centra en hechos que ocurrieron antes de Alien.

Aunque no apareció en ninguna de las películas mencionadas en el párrafo previo, Weaver expresó su interés en trabajar de nuevo con Scott para revivir a su personaje en otra película de Alien. En el compilatorio de Alien Quadrology (2003), en la sección de comentarios del DVD deAlien, ambos mencionaron la posibilidad de realizar otra película, Weaver dijo: «Hay un anhelo por una quinta entrega, algo que yo nunca me imaginé [...] es bastante difícil recrear una quinta historia que sea inédita e insólita [...] pero he querido regresar de nuevo al espacio exterior [...] creo que una aventura espacial es justo lo que ocupamos, ya que la Tierra se está volviendo macabra [...] así que hemos estado hablando de esto, pero de manera muy general». Scott remarcó que si la serie continuaba, la vía más lógica para continuarla sería explorar los orígenes del Ingeniero y de los alienígenas.

David Giler mencionó que él, Walter Hill y Gordon Carroll, los productores de las primero cuatro cintas de la serie, no estarían dispuestos a producir otra película si no trataba sobre el hogar de los Alien y pusieron como condición que Weaver retomara su rol —sin embargo, Hill regresó para producir Requiem—. Weaver, en cambio, indicó que sólo regresaría a su personaje si Scott o Cameron eran los directores. Cameron había estado trabajando en una quinta historia, en la que se exploraría el origen de las criaturas, pero abandonó esta labor cuando se enteró que Fox estaba comprando los derechos de Alien vs. Predator, lo que para él conllevaba «asesinar la autenticidad de la serie». En 2008 Weaver continuó expresando su deseo para participar en el proyecto: «Definitivamente haría otra película si tengo como director a alguien como Scott y la idea de la historia es buena. Él está emocionado por todo esto».

En julio de 2009, Fox anunció que había contratado a Jon Spaihts para redactar un guion sobre una precuela de Alien, que sería dirigida por Scott. Posteriormente Scott y Damon Lindelof reescribieron ese libreto. La película se tituló Prometheus, y entró en producción en mayo de 2011. Su estreno ocurrió a mediados de 2012. El argumento adyacente a la escena donde el equipo se encuentra con el Ingeniero se desarrolla en esa misma película, una pseudoprecuela que intenta dar una explicación a la nave abandonada y su piloto, la cual transcurre treinta años antes de que la Nostromo aterrizara en el planetoide. En agosto de 2014 Scott confirmó en una entrevista para Entertainment Weekly que ya tenía finalizado el guion para la secuela de Prometheus, que terminó por llamarse Alien: Covenant. Durante el mes de marzo de 2015, Scott reveló que será él quien produzca la siguiente película de la serie, Alien 5, desarrollándose en paralelo junto a Covenant.

TRAÍLER 

Alien el octavo pasajero (1979) - Linkpara ver online

Uno de los grandes clásicos del cine de todos los tiempos y la gran obra maestra de su directos Ridley Scott allá por el año 1979.